Кои графични дизайнери на 21 век се смятат за най-добрите? Вие лично кой харесвате? Примери за графичен дизайн от цял ​​свят: как националността се отразява в произведенията на изкуството

Като част от лекционната зала на Moscow Design Week Сергей Серов говори за 25 основни имена на графичния дизайн. Лекцията „Иконите на дизайна“ беше придружена с илюстрации, в които лекторът показа основните характеристики на стила на всеки дизайнер и разказа как това е повлияло на световната общност.

Президентът на Международното биенале на графичния дизайн „Златна пчела“, професор от Училището по дизайн на RANEPA, направи исторически екскурз за развитието на графичния дизайн. Заглавието на лекцията „Икони на дизайна“ препраща към едноименната книга на Джон Клифърд, която Сергей Серов препоръчва на всеки, който се интересува от историята на дизайна. В селекцията си на 25-те най-влиятелни дизайнери лекторът се опира на вижданията на международната професионална графична дизайнерска общност. Сергей Серов нарече лекцията „Икони на дизайна“ субективно обобщение на обективни възгледи.

Един от основните движещи сили, който развива графичния дизайн от началото на 20 век, се превърна в руския авангард, така че първите позиции в списъка бяха заети от Александър Родченко и Ел Лисицки, които станаха икони и учители за много майстори. Манифестът на руския авангард стана основата на европейския авангард и известната швейцарска школа по графичен дизайн. Динамика, диагонали, символи на 20-ти век, изразени в образа на машина и нови скорости - всичко това е открито от руските авангардни художници Родченко и Лисицки в света на графичния дизайн.

Няма идеални школи в графичния дизайн: майсторите носят нови технологии и визия, които остават в историята, но в същото време отделни части от плаката могат да „увиснат“. Задачата на дизайнерите е да учат най-добри практикии се учете от опита Голям бройстрахотни графици. Историята включва имената на тези, които създават нови или вече подобряват съществуващи принципи, следва манифеста. Плакатът като продукт на графичния дизайн се формира и става предмет на изкуството благодарение на личности, нови технологии и в някои случаи личната харизма на дизайнерите оказва влияние.

Топ 25 графични дизайнери:

1. Жул Шере
2. Александър Родченко
3. Ел Лисицки
4. Пийт Цварт
5. Адолф Мурон Касандър
6. Алексей Бродович
7. Ян Чихолд
8. Йозеф Мюлер-Брокман
9. Емил Рудер
10. Страхотен Айхер
11. Хенрик Томашевски
12. Герб на Любалин
13. Милтън Глейзър
14. Масимо Винели
15. Карел Мартенс
16. Юсаку Камекура
17. Коичи Сато
18. Шигео Фукуда
19. Кения Хара
20. Алън Флетчър
21. Ейприл Грейман
22. Ралф Шрайфогел
23. Никлаус Трокслер
24. Дейвид Карсън
25. Стефан Загмайстер

Moscow Design Week е фестивал, посветен на дизайна във всичките му проявления от мода до архитектура. Събитието ще събере представители на пазара на една сцена за създаване и укрепване на бизнес връзки, обмен на идеи, стартиране на нови успешни проектии развитие на дизайна в Русия.

Графичният дизайн се трансформира от култура в култура, повлиян от националните културни традиции, история и бит. Точно както в музиката и изкуството, естетиката на графичния дизайн се различава от култура до култура.

Испанският графичен дизайн показва испаноезичната любов към партитата и празниците. Латинскоамериканските графични дизайнери не са обвързани с предразсъдъци, когато става въпрос за употреба ярки цветовеи контрастни елементи.

Минимализмът също се използва, но най-вече в уеб дизайна - и не е толкова "минималистичен" като другите. Светът има какво да научи от испанците; например как да не приемаме живота много на сериозно и да се забавляваме. Те ни учат да възприемаме дизайна не само визуално, но и с всичките си шест сетива.

Китай

Китай е една от най-старите цивилизации, датираща най-малко от 4000 години. По време на своя разцвет Китай беше едно от най-напредналите общества в света, но поради развитието на империализма и граждански войнизапочва неговият упадък. Въпреки това Китай има богата художествена, литературна и културна история.

Китайският графичен дизайн е доста нов в сравнение със западния. През 1979 г. Китай отново отвори вратите си за света, приветствайки новите идеи и най-новите технологии. Страната прави бавно, но стабилно движение към демокрация, като е по-либерална към новите идеи, особено в изкуството и дизайна.

Китай се надигна с творческа енергия и подчертан национализъм (ако не и някаква неприязън към чужденците), така че не е изненадващо, че модерният графичен дизайн все още използва същите изобразителни елементи, открити в традиционното китайско изкуство.

Графичният дизайн в Китай е използван като ефективно средство за защитанеформална политическа воля. Това беше средство за самоидентификация и себеизразяване.

Прекрасен китайски уеб дизайн

Китайският уеб дизайн е пристрастен към флаш. Уебсайтовете от Китай са много интерактивни и игриви. Някои елементи в графичния дизайн са копирани от други култури. През последното десетилетие китайският графичен дизайн беше силно повлиян от запада, но все още запазва собствената си китайска енергия и душа. Например, дизайнът използва символи на фън шуй, калиграфия, културни фестивали и др.

Япония

Японското съвременно изкуство има много форми: архитектура, реклама, видео игри, аниме и графичен дизайн. Японското влияние в изкуството е огромно, внасяйки много идеи в графичния дизайн и съвременното изкуство като цяло. Японският графичен дизайн е градски и оригинален. Той показва цветове, подобни на неонови, имитиращи светлините, които виждаме през нощта в центъра на Токио.

Японският графичен дизайн е силно повлиян от японското традиционно изкуство и манга.

Брилянтен японски уеб дизайн

Японският графичен дизайн е интересен, защото е коренно различен от това, с което сме свикнали на Запад. Той е много разнообразен, с примеси от старо и ново. От една страна, той е елегантен, футуристичен и много минималистичен. От друга страна, супер сладка, детска и ексцентрична.

Близкия Изток

Близкият изток е представен на Запад като тайнствен, очарователен и мистичен; това е земя на пясъци, летящи килими и вълшебни лампи, образ, който повечето от нас са посещавали само в мечтите си. Близкият изток е парадоксален - тази култура е обогатена с един от най-старите и най-обширните изящни изкуствав история, датираща от хиляди години.

Графичният дизайн в Близкия изток обаче е доста млад. Борбата за арабския свят продължава: тук няма свободен художник По най-добрия начинза да си изкарват прехраната, правителството не оказва голяма подкрепа и има само няколко училища за графичен дизайн в региона.

Близкоизточният графичен дизайн е колкото очарователен, толкова и мистичен. Има силно влияние на старата калиграфия и арабското писмо, копиране на форми и модели.

Близкият изток бавно се отваря към културата на западното "консуматорско общество". Арабите обичат своето злато - и тази привързаност може ясно да се види в дизайна.

Подобно на останалата част от света, светът на Близкия изток е ударен от минималистичния вирус, но все още запазва атмосферата на Близкия изток, която всички познаваме.

Луксозен Близкия Изток уеб дизайн

Близкоизточният дизайн е богат на цветове и култура. Подобно на други азиатски страни, Близкият изток се наслаждава на красиви символи и калиграфия. В някои области регионът остава консервативен по много въпроси.

Например, те трябва да се отворят за идеи на свободна практика, жени графични дизайнери и т.н. Този регион обаче е гореща точка за нови и смесени идеи. Те възприеха много западни дизайнерски идеи, но запазиха уникалността, която ги прави различни от другите.

Холандия

Холандия е нидерландско говоряща държава, разположена в Северозападна Европа, граничеща с Белгия на юг и Германия на изток. Холандия е малка страна, но е дом на най-големите майстори в историята: Рембранд, Ван Гог, Ван Ейк, Мондриан и Ван Дойсберг.

Холандският графичен дизайн клони към индивидуализъм, ако не и към анархизъм. Предпочита изчистени, минималистични решения - все пак именно тук се ражда движението "De Sale", което предхожда минимализма. Холандците гравитират към концептуалното изкуство и съвременните теми. Опростеността се цени, а "недизайнът" е често срещана стратегия за проектиране.

Холандските дизайнери често рисуват концептуално. Един от любимите ми е младият холандски графичен дизайнер Виктор ван Гаасбек, чиято работа е типично холандска, модерна, но с естествени и естествени елементи.

голям холандски уеб дизайн

Холандия и съседните й страни определят тенденциите, когато става въпрос за графики и уеб дизайн. Тяхното изкуство е перфектно, концептуално и шик. Това не означава, че е напълно сериозно и подчинено на минимализма - холандски дизайнможе да бъде игриво.

Може би поради силната финансова подкрепа за изкуствата от правителството, или поради развитата икономика на страната, или може би поради влечението на местните хора към изкуствата, холандският графичен дизайн е сред най-напредналите в света.

Заключение

Тъй като различните култури имат различно минало и настояще, ние имаме различен опит, вярвания и нрави. Виждаме света от малко по-различен ъгъл. Графичните дизайнери по света имат свои собствени подходи към изкуството. Независимо от това, едно нещо остава неоспоримо: добрият дизайн винаги ще бъде добър дизайн.

Дори и да не разбираме значението, символите и калиграфията, които се използват, можем да различим добрия дизайн от лошия. Разбирането за изкуство съществува извън културните и географски граници; и е нещо повече от сбора на нашата култура и вярвания. Разбирането на дизайна е международно и универсално чувство, което изпитва всеки, независимо от цвета на кожата или националността.

Това е един от онези въпроси, които са едновременно много прости и много трудни за отговор. Само защото въпросът не звучи така, да кажем: „Кои млади таланти бихте сметнали за заслужаващи внимание?“, а точно „кой се счита“, та дори и за „успешен“, и то точно „в 21 век“. Тези. това е въпрос за обективно успешните хора днес. Ако все още не намираме грешка в концепцията за „успех“ (е, да кажем, че това е „слава и пари“ или по-просто казано, медийно представяне и значими проекти / клиенти), тогава считаме онези, които са признати за такива от експертни общности да бъдат успешни. Все още не съм виждал оценки въз основа на отзиви на клиенти, тъй като те не се занимават с достатъчна извадка и не се ръководят от вътрешни професионални критерии. Тоест, най-добрите дизайнери са тези, които ще бъдат повикани от други дизайнери. Е, като получи аналог на "Наградата на Академията" или нещо подобно.

Например, преди няколко години, отбелязвайки своята 50-годишнина, американското списание Graphic Design (GD USA) публикува класация на „най-най-много“ в нашата професия. Връзката към моя блог () с тази новина съдържа коментари, които няма да цитирам отново тук. Рейтингът е предвидим за американско списание, още повече наборът от имена. Вярно, има много напълно произволни извадки, които пречат на толкова различни хора, че се чудиш как се разбират в рамките на единни критерии, но това е на съвестта на "уважаемите редактори".

Но, разбира се, респектиращият рейтинг на AIGA или споменатото списание DG е смесица от предимно членове, живеещи (живеещи) в Съединените щати или в други англоезични страни на „световния отбор“: австриецът Щефан Загмайстер, италианецът Масимо Винели , или британец с руски корени Иван Чермаев. Можете да намерите отдавна изчезналия гений на „новата типография“ Ян Чихолд и живия патриарх на Нюйоркската школа Милтън Глейзър и др. и т.н. Моля, обърнете се към оригиналния източник.

Не знам обаче как присъствието в този списък на хора, които вече са над 70 или дори над 80, корелира с очакванията на автора на въпроса за „в 21 век“, но ви уверявам, че в нашия век имената на тези майстори поне няма да бъдат забравени, тъй като техният модел на творчество е издържал всяко възможно изпитание. Това е и отговорът на втората част от въпроса („кой харесвате лично вие”). Предпочитанията ми са в съответствие с професионалния мейнстрийм. Старо вино и дълго отлежаване… В житейски път„Великите дизайнери“ могат да бъдат вдъхновени както от тези, които търсят успешни истории, така и от тези, които са привлечени от дизайна като форма на изкуство (в смисъл на някаква дейност, която не е изцяло погълната от търговията).

Последната забележка е ключът към проблема защо тази тема е не само лесна за разглеждане, но и сложна. Дизайнът (като всяка социална практика) не подлежи на еднозначно определение. Както и изкуството, на което дизайнът или се противопоставя, или се идентифицира като частен случай на неговото изкуство. Следователно нито един рейтинг не може да задоволи всички и да се счита за недвусмислен и обективен. Критериите за подбор ще останат по-скоро проблематични, отколкото твърди. Да не говорим за обичайното „а кои са съдиите?“, т.е. упреци за прекомерната „американоцентричност“ на рейтинга или, обратно, в други случаи ориентация към, да речем, холандския или швейцарския „дискурс“ за дизайна.

В тази връзка отбелязвам: има мнение, че в нашата ситуация на „постмодерност“ няма звезди в стария смисъл (не еднодневни производствени същества, а влиятелни фигури в дългосрочен план) в нито една творческа област. Мисля, че от една страна, не звездите изгаснаха, а самият „небосвод“ се промени. Феноменът светлина върху светлина. Където светлината на небето е информационно изобилие. Светът вече не е готов да възприема професионалистите, които са авторитетни в своята област, като едва ли не пророци, авторитети, които имат гледна точка за всичко на света, чиято всяка дума се улавя жадно от пресата. Поетът вече не е „повече от поет“. И в известен смисъл дава надежда. Чип Кид (американски дизайнер, също включен в рейтинга на GD USA) каза, че „известният дизайнер е като известен водопроводчик“. Тоест, разбира се, има занаятчии, които са особено уважавани в професионалната си общност, за да сменят миксер или да отстранят теч, но едва ли ще им бъдат зададени въпроси относно политиката, морала, съдбата на човечеството или възпитанието на децата.

Защо дизайнерите, дори тези, които (като самия Кид) са публично известни, се считат за авторитети в нещо различно от самия дизайн? Какво прави един дизайнер известен и следователно, и само поради това, "най-добрият"? В края на краищата това е обслужваща професия, умение за „визуална комуникация“, „инфоархитектура“ (Е. Шпикерман) и нищо повече. Най-добрият дизайнер просто върши добра работа почти през цялото време. Понякога неочаквано оригинален. Но за разлика от един учен или политик, той не прави нищо друго, освен да стимулира продажбите на подсладена вода или чипс. И дори тогава, сред другите членове на екипа (маркетолози, инженери и т.н.). Да, със сигурност има „приложни“ професии, при които „считан за известен“ може да има истинско обществено признание. Хирургът, присадил за първи път глава на пациент, вероятно ще изпревари в класацията също толкова квалифициран зъботехник. Най-добрият от братята в професията. Но възможна ли е такава аналогия във връзка с разглеждания въпрос?

Обърнете внимание, че „рок звездите“ на дизайна, като правило, са или тези, които са ангажирани, включително некомерсиални проекти, маскирани като съвременно изкуство (Sagmeister), или популяризират личната си „марка“ по подобие на модни дизайнери-кутюрие ( Броуди), или активно и много теоретизиране и писане (Бейрут, Карсън или по-рано Винели, Мунари, Ранд и др.). Тези. това са онези, които са се превърнали в "трендсетъри" не толкова поради търсенето и качеството на услугите си, а привличат вниманието с публичните си дейности "за" дизайна. Доколкото разбирам, „тежестта“ на този или онзи „велик дизайнер“ в общността по правило не зависи от „хамбургската сметка“ (терминът на В. Шкловски), т.е. от неговото „умение” като съвкупност от спортни постижения, „оригиналност на стила” и т.н., а от значимостта на професионалните му рефлексии, способността да посочи или, обратно, да проблематизира начините по-нататъчно развитиепрофесии… Рок музиката предоставя добра аналогия тук. Колко невероятни китарни виртуози не са включени в рейтингите на RollingStone, защото, докато свирят, не са пели, не са композирали своя собствена музика или не са интерпретирали музиката на някой друг по такъв начин, че да бъде „присвоена“, сякаш "откраднат" (Пикасо). В крайна сметка китаристът е същият „дизайнер-изпълнител“. А Хендрикс, Би Би Кинг, Клептън? Кои са те? Те са по аналогия с "арт директора", "трендсетъри" и т.н.

Следователно можете да кажете така. Всички имена, изброени в класацията (въпреки наличието на отделни категории в списъка на GD USA) на дизайнерите, са обединени от факта, че те не са „дизайнери“ (т.е. „изпълнители“). Те са именно “арт директори”, т.е. хора, водещи проекти, в които много от тях са наети или като „композитори“ (или „сценаристи“/„продуценти“), или като „играещи треньори“. Sagmeister вероятно не "знае" много от това, което се прави от отделен член на неговия екип в конкретен проект. Както обаче не винаги умението на операторската или актьорска работа в киното е заслуга на режисьора. Дизайнът се различава от изкуството (включително) не само с масовия характер на обръщението (механично възпроизвеждане на Бенджамин), но именно с анонимността (тоест има не „авторски“, а заповеден характер) на обръщението. Логотата и билбордовете не са подписани от техните създатели. Обръща се към обществената марка, държавата или социална организация. Познато извън тясната професионална общност може да бъде само авторско и лично изказване.

Стана така, че изкуството борави с уникалността на оригинала и ниската масовост (въпреки че всичко се променя в ерата на новите медии), с висока степен на проявление на авторския жест. Дизайнът е обратното. Да, както дизайнът, така и изкуството са творчески практики по дефиниция. Но това не е достатъчно, за да очакваме автоматично аура на "слава" от дизайнера. Изкуството е съсредоточено главно върху формулирането на социално значими проблеми (т.е. умишлено привлича интерес отвъд целева аудитория), а дизайнът обикновено е недвусмислено търговско (и следователно локално) ценно послание, което дава „отговори“ (какво, къде и защо да купя). И това се отнася не само за "продаващата" реклама, но и за "информиращия" дизайн като такъв.

ЗАВЪРШВАМЕ ПОРЕДИЦА ОТ ИНТЕРВЮТА, ПОСВЕТЕНИ НА СЪДБАТА НА РУСКИЯ ГРАФИЧЕН ДИЗАЙН, НЕГОВАТА НАЙ-НОВА ИСТОРИЯ В ЛИЦА. НЕГОВИТЕ ГЕРОИ, КАТО ЗНАКОВИ ФИГУРИ НА РУСКАТА ДИЗАЙН СЦЕНА, ПРЕДСТАВЯХА НЕ САМО СОБСТВЕНОТО СИ ТВОРЧЕСТВО, НО И СВОИТЕ ПОКОЛЕНИЯ, АКТИВНО И УСПЕШНО РАБОТЯЩИ ДНЕС В ПРОФЕСИЯТА.

По-старото поколение, дизайнери, родени през 30-те и 40-те години, беше представено с интервю с (1938), когото великият Масимо Винели нарече най-добрия дизайнер на книги в света. Но зад него, или по-скоро до него - цяла кохорта от блестящи имена. Ефим Цвик (1935-2005), Николай Калинин (1937), Аркадий Троянкер (1937), Валерий Акопов (1938), Юли Перевезенцев (1938), Николай Попов (1938), Александър Шумилин (1938-2007), Борис Трофимов (1940) ) ), Максим Жуков (1943), Александър Коноплев (1943), Евгений Добровински (1944), Андрей Костин (1947-2000), Валерий Василиев (1949). Всички те са победители международни състезания, носители на най-високи награди от най-престижните световни професионални изложения.

Аркадий Троянкер

ИПЕК - Михаил Аникс

Познавам ги много отдавна, всичките са ми старши другари, приятели. Но не спирам да се учудвам на тяхната неизчерпаема енергия, непонятен ентусиазъм, искрящ талант. От интервю с Михаил Аникст става ясно откъде идва тази творческа сила. От студентските години, младостта. Всички те са по същество "шестдесетници", тяхното творческо развитие е ерата на "размразяването", времето на обръщане към модерен святи собствената си креативност. След десетилетия на страх и ужас, само малко разхлабване на винтовете и отваряне на желязната завеса беше достатъчно, за да настъпи тектонично изместване и се появи поколение с невероятна жизнена енергия, която години наред остава лидер в културата. В графичния дизайн това поколение беше в челните редици на професията през 60-те, 70-те и 80-те години. И до ден днешен е актуален и се ползва с невероятна почит и авторитет. Това е поколение от титани, герои, станали дизайнери не благодарение, а въпреки всички обстоятелства.

Борис Трофимов

Това време може да се опише с един парадоксален афоризъм: ние нямахме дизайн, но имаше дизайнери. Имаше дизайнерски имена, които целият професионален свят познаваше, и дизайнът като търсена част от икономиката, културата и Публичен живот- Не. Дори нямаше такава дума. Индустриалният, обектен дизайн се наричаше "художествен дизайн". Теория на дизайна – „техническа естетика”. И вместо "графичен дизайн" имаше няколко съветски евфемизма наведнъж. В индустриален контекст графичният дизайн се нарича "индустриална графика", съкратено "индустриална графика". В Съюза на художниците псевдонимът на графичния дизайн беше "приложна графика". В Полиграфическия институт, където се занимаваха с дизайн на елитни книги, той се наричаше "ХТОПП" - "художествено-техническо проектиране на печатни материали", в Строгановка имаше друга словесна конструкция: "промишлена графика и опаковки" и т.н.

Борис Трофимов

Владимир Чайка

Средното поколение са сегашните 40-50-годишни. Представен е в сп. (1967) и (1964). Най-ярките фигури от това поколение са Светлана (1952) и Александър (1953) Фалдинс, Юрий Боксер (1953-2002), Владимир Чайка (1955), Андрей Шелюто (1960), Елена Китаева (1960), Юрий Сурков (1961), Анатолий Гусев (1963), Евгений Корнеев (1964), Андрей Логвин (1964), Ерик Белоусов (1964), Еркен Кагаров (1966), Сергей Кужавски (1966), Петър Банков (1969).

Игор Гурович

Това поколение започна да се проявява в края на 80-те години, но напълно влезе в сила през 90-те години, което стана времето на тяхното излитане, когато имаше неочаквана актуализация на графичния дизайн. Именно той беше търсен предимно от нововъзникващата пазарна икономика. Стотици хиляди нови субекти на икономическа и социална дейност обявиха раждането си с помощта на лога, корпоративна идентичност, реклама и други атрибути на цивилизованата дейност. Графичният дизайн започна да се превръща в най-разпространената дизайнерска специалност пред очите ни, изведнъж се превърна в модерна и престижна професия.

Масовата компютъризация на професията, съвпадаща със социалните промени и търговския бум, предостави на дизайнерите напълно нови, безпрецедентни възможности, освобождавайки ги от предишни технически ограничения. Но за неофитите, които се изсипаха в тази област, компютърната свобода се превърна в неустоимо изкушение на всепозволеността, освобождаваща от самото професионална културамалко по малко, натрупано от предишното поколение.

Андрей Логвин

Елена Китаева

И в новите обстоятелства беше възможно да станете истински дизайнер, майстор от световна класа „не благодарение, а въпреки“. Това поколение трябваше да осъзнае, че професията на дизайнера е лесна и интересна, но в същото време трудна, съблазнителна и опасна, защото тук стана много лесно да се плъзнете към продажността, лошия вкус и вулгарността. Героите на това поколение се стремят да запазят културно-творческия смисъл на професията като служба, фокусирайки се върху вътрешния глас на професионалното съзнание и строгата преценка на своите колеги. Те получиха тази закваска от майсторите от по-старото поколение, след като успяха да уловят старите романтични времена.

Еркен Кагаров

Андрей Шелюто

Както се вижда от интервюто с и , те се стремят не само да решават моментни задачи, но всеки път си поставят свръхзадачи, вдигайки професионалната летва, отразявайки в творбите си културната роля на професията, нейното място в него, върху характеристиките на националния дизайн.

На млади хора - 20-30 години - бяха представени интервюта с Протей Темен (1984) и (1974). До тях все още можете да поставите Анна Наумова (1973), Дмитрий Захаров (1975), Анастасия (1980) и Александра (1982) Фалдин. И засега това е може би всичко, ако говорим за имената, представящи Русия на световната професионална сцена, за лауреатите на международни конкурси. Героите от това поколение досега имат значително по-малко световни награди. И самите известни имена тук са много по-малко.

И това въпреки факта, че не се наблюдава нищо подобно на отслабване на търсенето на графични дизайнери. Обратно. Броят на висшите учебни заведения, които издават дипломи по графичен дизайн у нас, вече надхвърли двеста и половина. Тук е необходимо да се добавят още свързани или пресичащи се специалности като „уеб дизайн“, „телевизионен дизайн“, „медиен дизайн“, „компютърен дизайн“, „рекламен дизайн“ и др. И днес графичният дизайн, с екип от тези свързани дизайнерски специализации, се превърна в явен лидер на дизайнерската култура.

Смяната на лидера, която се случи, е световна тенденция информационно общество. Водещата културна роля се измества от индустриалния дизайн, работещ с технологичната палитра на масовото индустриално производство, към по-мобилни, свободни, леки жанрове, по-малко вкоренени в технологични условиякреативност. Графичният дизайн е на първо място сред тях. Компютърното преоборудване на технологичната база на дизайна засили тези качества на лекота, свобода и независимост, а обичайната работа с изображения и информация за графичен дизайн е най-подходяща за нуждите на информационното общество.

Графичният дизайн пръв прие предизвикателството на времето, свързано с тоталната компютъризация на всички сфери на постиндустриалното общество, излезе наяве виртуално пространство„постгутенбергова галактика“. Другото му качество, всепроникващата способност, му позволява да обитава виртуални мултимедийни среди в детайли, да овладява екранната култура и информационните иновации.

По-младото поколение дизайнери скърби за романтичните времена на професията, подозирайки, че времето на героите е нещо от миналото. Но с цялата си творческа дейност той доказва, че това не е така.

Като дизайнер тежък кръст. Но всяко истинско призвание е кръст. И така винаги и навсякъде, не само у нас. Но особено в нашата.

Завършихме поредица от интервюта, но това не означава, че няма да има други материали за нашите графични дизайнери от различни поколения. С тази поредица ние само очертахме основните области на интерес в графичния дизайн - постиженията на нашите майстори в международен контекст, графичния дизайн като стилообразуваща дейност, която формира визуалния пейзаж на страната и света, като най-актуален изкуство на нашето време.

Милтън Глейзър през 1974 г. Снимка: © Cosmos Sarchiapone

Въпреки напредналата си възраст, Милтън Глейзър продължава да се занимава с творчество. Именно той даде на света New York Magazine, известния психеделичен плакат с изображението на Боб Дилън, корпоративната идентичност на Brooklyn Brewery и, разбира се, постоянния символ на Ню Йорк - логото I love New York.

Вече надхвърлил осемдесет години, Милтън Глейзър живее в Манхатън и въпреки че мнозина вече са пенсионирани на тази възраст, той управлява своето дизайнерско студио, което е в разгара си. Както преди много години, той продължава да рисува плакати, да създава лога и да разработва корпоративни идентичности. В допълнение към практиката Глейзър се занимава и с теория: той чете лекции в университети, пише есета и теоретични дискусии за връзката между дизайна и изкуството и тяхното влияние едно върху друго, за професията на дизайнера и сложността на творческия процес.

Логото е създадено през 1977 г.

Детство и учене

Милтън Глейзър е роден на 26 юни 1929 г. в Ню Йорк в еврейско семейство с унгарски корени. Когато Милтън бил на пет години, братовчед му нарисувал кон пред него - тогава Глейзър осъзнал пълната сила на графичното изкуство. За първи път видя някой да рисува нещо наистина съществуващо. Той смяташе, че е възможно да се създаде цял свят с простото движение на молив. Това ентусиазирано чувство не го напуска през целия му живот.

На седемнадесет години Глейзър се утвърждава в желанието си да стане художник. Тогава той осъзна, че истинската цел на изкуството е да ни направи внимателни; изкуството ни помага да оцелеем. В интервю за списание Smashing Magazine Глейзър каза, че по това време седял на кухненската маса и изведнъж решил да нарисува портрет на майка си. В този момент той осъзна, че не знае как изглежда тя. Едва когато решил да нарисува майка си, се заинтересувал от външния й вид.

Глейзър учи в гимназията за музика и изкуство в Манхатън, след което през 1951 г. завършва частния нюйоркски Cooper Union College (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art).Огромно влияние върху неговото образование и по-нататъшно творчество има възможността да живеят в друга страна, а именно в Италия. След като завършва колеж, Глейзър влиза в Академията за изящни изкуства в град Болоня (Accademia di Belle Arti di Bologna) по програмата за стипендии на Фулбрайт: там той учи в класа на италианския художник Джорджо Моранди.

Push Pin Studios

През 1954 г. Глейзър основава Push Pin Studios с приятели от колежа Рейнолд Ръфинс, Сиймур Чваст и Едуард Сорел. Сорел и Чваст излязоха с идеята да създадат собствена компания, след като бяха уволнени от списание Esquire в същия ден. С последните си пари те наемат тъмна и влажна стая на Източна 17-та улица в Манхатън. Няколко месеца по-късно Глейзър се завръща от Италия и се присъединява към студиото. В продължение на двадесет години Глейзър и Сиймор ръководят работилница, която има огромно влияние върху развитието на графичния дизайн по света.

Кулминационният момент за Push Pin Studios е изложбата The Push Pin Style в Лувъра: през 1970-1972 г., освен в Париж, тя пътува до други градове в Европа, Бразилия и Япония.

Push Pin Studios все още съществува, само сега едноличен директоре Сиймор Чваст.

През 1967 г. Милтън Глейзър, работещ в Push Pin Studios, създава психеделичен портрет на Боб Дилън, който по-късно е използван за дизайна на колекцията от най-големи хитове на певеца.

списание Ню Йорк

През 1968 г. Глейзър съосновава New York Magazine с Клей Фелкър. Глейзър е президент на компанията и директор по дизайна до 1977 г. Първоначално списанието е създадено като своеобразна алтернатива на вече съществуващия The New Yorker. Той се оказва нахален и прям и става част от т. нар. Нова журналистика – течение в американската журналистика през 60-те и 70-те години на миналия век. Това издание се превърна в икона на градското списание и породи цяла поредица от имитации.

В продължение на шест или седем години Глейзър и Джеръм Снайдер написаха The Underground Gourmet, пътеводител за евтини ресторанти в Ню Йорк. Първоначално беше само колона в списание New York. Всички бяха любопитни къде да хапнат евтино и вкусно, затова рубриката стана толкова популярна, че се наложи да бъде издадена цяла книга.

Уолтър Бърнард и Милтън Глейзър

WBMG

През 1983 г. Glaser основава WBMG с Walter Bernard. Това беше малка дизайнерска фирма, занимаваща се с издателство. По време на своето съществуване те са проектирали за повече от петдесет списания, вестници и други периодични издания по целия свят, както и са преработили известни вестници като американския The Washington Post, каталунския La Vanguardia и бразилския O Globo.

Milton Glaser Inc. Изкуството е работа

През 1974 г. Глейзър основава свое собствено студио, Milton Glaser, Inc., в Манхатън. който е в експлоатация и до днес. В допълнение към самия Глейзър, студиото има още двама дизайнери: Сю Уолш и Джи-юн Лий. Дейностите на компанията засягат почти всички области на дизайна – от създаване на лога до интериорен дизайн. В областта на печатната графика ателието се развива Корпоративна идентичност, което включва лога, бланки, брошури, табели и годишни отчети. В областта на дизайна на интериора и околната среда те разработват концепции и ръководят създаването на различни продукти, интериори и екстериори на ресторанти, търговски центрове, хотели и други търговски и търговски площи.

© Милтън Глейзър
Лого на Brooklys Brewery. © Милтън Глейзър
Лого на списание New York. © Милтън Глейзър
Лого на фирма за семена. © Милтън Глейзър
Лого на Tomato Records. © 1978 Милтън Глейзър
Лого на ангелите в Америка. © Милтън Глейзър
Лого на DC Comics. © 1977 Милтън Глейзър
Театрално лого на Училището по визуални изкуства. © Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър

„Създаването на лого е една от най-скучните задачи за един дизайнер. Има още много интересни неща“.Милтън Глейзър е наричан най-продуктивният дизайнер на лого в света. Всъщност малко хора успяха да нарисуват толкова много запомнящи се знаци. „Говоренето за лога е много скучно“, казва американецът в интервю за списание Smashing. „Знаете защо всички говорят за тях: носят пари.“

Най-копираното лого в света

Със сигурност най-много известно логоСмята се, че Глейзър обичам Ню Йорк, който създава в средата на 70-те за рекламна кампанияразвитие на туризма в Ню Йорк. Логото се състои от главно I, символ на червено сърце и главни букви NY, съкращението на Ню Йорк. Буквите са без серифи American Typewriter.

Оригинална скица на лого

През 1977 г. Министерството на търговията на щата Ню Йорк поиска от рекламната агенция Wells Rich Greene да разработи маркетингова кампания за щата Ню Йорк. Милтън Глейзър също беше привлечен да работи по проекта. Интересното е, че Глейзър нарисува I love NY на доброволни начала (т.е. безплатно), мислейки, че кампанията ще продължи само няколко месеца и ще изчезне безследно. Но емблемата стана толкова популярна, че стана повсеместна, като мнозина наричат ​​I love NY най-успешното лого в историята на графичния дизайн.

Логото придоби особено значение след събитията от 11 септември, пораждайки дух на единство и взаимопомощ сред жителите на града. Много посетители на града носеха тениски I love New York, за да изразят подкрепата си за всички жертви на терористичната атака.

Няколко дни след събитията от 11 септември Глейзър се събужда и разбира, че неговото лого вече не е това, от което се нуждаят жителите на града. Чувствата му към града се бяха променили и логото също трябваше да се промени. Така че имаше нова версия на логото с думите I love NY More Than Ever ( „Обичам Ню Йорк повече от всякога“) с малко черно петно ​​върху червено сърце. Позицията на тази черна зона не е случайна: тя маркира мястото на картата на Ню Йорк, където се е намирал Световният търговски център.

Глейзър поиска помощ при създаването нова версиялого на Училището по визуални изкуства. Той се обадил на своя приятел Сайлъс Роудс и казал, че има идея: искал да отпечата плакати и да ги разлепи в метрото. В резултат на това бяха отпечатани пет хиляди плаката, които учениците разлепиха из целия град. Така този плакат можеше да се види от почти всеки прозорец в града, което още повече сплоти жителите.

Логото се превърна в икона на поп културата и все още се използва навсякъде - от чаши и тениски с тематика на Ню Йорк до големи банери. Ню Йорк се опитва да запази авторските права върху логото, но към 2005 г. са регистрирани около три хиляди факта на имитация.

Глейзър описва как е скицирал логото за задната седалка на такси в Ню Йорк: „Бях развълнуван. В моята идея имаше усещане за неизбежност. Формата и съдържанието бяха толкова обединени, че беше невъзможно да се отделят едното от другото. Глейзър все още не разбира защо това лого стана толкова популярно не само в Ню Йорк, но и по целия свят.

Дизайнът като изкуство

Работата на Милтън Глейзър е била представена в множество изложби по целия свят, включително самостоятелни изложби в музея съвременно изкуствов Ню Йорк (Музей на модерното изкуство) през 1975 г. и в Центъра Помпиду в Париж (Centre Georges Pompidou) през 1977 г. Милтън Глейзър е излагал многократно в Италия. През 1991 г. италианското правителство го кани да курира изложба в чест на 500-годишнината на италианския художник Пиеро дела Франческа (Piero della Francesca). Изложбата беше открита в Арецо и година по-късно, благодарение на спонсорството на Campari, се премести в Милано. През 1994 г. Глейзър прави изложба в родния си Cooper Union College. През 1997 г. ретроспективата на Push Pin Studios беше представена в Япония, която включва лична работа на Милтън Глейзър и други студийни артисти. Основната ретроспекция на творчеството му обаче беше открита през февруари 2000 г. във Венеция, във фондация Бевилакуа Ла Маса (Fondazione Bevilacqua La Masa).

Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.

Принос към културата

През цялата си кариера Милтън Глейзър е получавал много награди, включително през 2004 г. той получава награда за значителен принос в развитието модерен дизайнот Националния музей на дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Приносът на Глейзър за развитието на графичния дизайн е огромен: за мнозина той е живото въплъщение на американския графичен дизайн, рядък пример, който съчетава дълбоко интелектуално мислене с невероятно богатство на визуален език.

10-те правила на Милтън Глейзър

Работете само с хора, които харесвате

Отне ми много време да формулирам това правило за себе си. Когато започнах, мислех обратното, че професионализмът е умението да работиш с всякакви клиенти. Но с годините стана ясно, че най-смисленият и добър дизайн е измислен за тези клиенти, които по-късно станаха мои приятели. Като че ли симпатията в нашата работа е много по-важна от професионализма.

Ако имате избор, не приемайте работа

Един ден чух интервю по радиото с прекрасния композитор и философ Джон Кейдж (John Milton Cage Jr.). Тогава той беше на седемдесет и пет години. Домакинът попита: "Как да се подготвим за старостта?" Завинаги ще помня отговора на Кейдж: „Имам един съвет. Никога не ходете на работа. Ако ходите в офиса всеки ден от живота си, един ден ще бъдете изритан от вратата и пенсиониран. И тогава със сигурност няма да сте готови за старостта - тя ще ви изненада. Погледни ме. От дванадесетгодишна възраст всеки ден правя едно и също нещо: събуждам се и мисля как да си изкарвам хляба. Животът не се е променил, откакто остарях."

Избягвайте неприятните хора

Това е продължение на първото правило. През 60-те години на миналия век имаше гещалт терапевт на име Фриц Пърлс. Той предположи, че във всички отношения хората или си тровят живота, или ги подхранват. В този случай всичко зависи не от човека, а от връзката. Знаете ли, има лесен начин да тествате как ви влияе общуването с някого. Прекарайте известно време с този човек: вечеряйте, разходете се или пийнете нещо, изпийте нещо. И обърнете внимание как ще се чувствате след тази среща – вдъхновени или уморени. И всичко ще стане ясно.

Опитът не стига или защо добър врагизключителен

Вече казах, че на младини бях обсебен от професионализма. Всъщност опитът е друго ограничение. Ако имате нужда от хирург, най-вероятно ще отидете при някой, който е правил тази конкретна операция много пъти. Нямате нужда от човек, който възнамерява да измисли нов начин за използване на скалпел. Не, не, без експерименти, моля, правете всичко както винаги сте го правили и както сте го правили преди вас. В нашата работа е обратното: добър е този, който не повтаря след себе си и след другите. Добрият дизайнер иска да използва скалпела по нов начин всеки път или дори решава да използва градинска лейка вместо скалпел.

По-малкото не винаги е по-добро

Всички сме чували израза „по-малкото е повече“. Това не е съвсем вярно. Една хубава сутрин се събудих и разбрах, че това най-вероятно е пълна глупост. Може да звучи добре, но в нашата сфера този парадокс няма смисъл. Спомнете си персийските килими, дали „по-малко“ би било по-добре в техния случай? Същото може да се каже и за работата на Гауди, стила Арт Нуво и много други. Затова формулирах ново правило за себе си: по-добре е, когато има точно толкова, колкото ви трябва.

Не се доверявайте на стилове

Сигурен съм, че всички сте виждали илюстрациите на Пикасо за Неизвестния шедьовър на Балзак. Той изобразява бика в дванадесет различни стила, от натуралистичен маниер до абстракция в една линия. В този случай стилът е неуместно понятие. Глупаво е да се отдадете на който и да е стил, защото никой от тях не ви заслужава напълно. За дизайнерите от старата школа това винаги е било трудно, защото почеркът и визуалният речник се развиват с годините. Но модата за стилове се медиира от икономически показатели, тоест практически от математика - не можете да спорите с това. Маркс е писал за това. Следователно на всеки десет години стилистичната парадигма се променя и нещата започват да изглеждат различно. Същото се случва и с шрифтове и графики. Ако планирате да съществувате в професията повече от едно десетилетие, горещо ви препоръчвам да сте подготвени за тази промяна.

Начинът на живот променя начина, по който мислите

Мозъкът е най-чувствителният орган в нашето тяло. Той е най-подложен на промяна и регенерация. Преди няколко години във вестниците се появи любопитна история за търсенето на абсолютен терен. Както знаете, подобен слух е рядкост дори сред музикантите. Не знам как, но учените са открили, че хората с перфектен тон имат различна структура на мозъка: някои лобове са някак си деформирани. Това само по себе си е интересно. Но след това открили нещо още по-стряскащо: ако четири или петгодишни деца се учат да свирят на цигулка, има шанс някои от тях да започнат да променят структурата на мозъчната кора и да развият абсолютна височина. Сигурен съм, че рисуването влияе на мозъка не по-малко от свиренето на музика. Но вместо слух ние развиваме внимание. Човек, който рисува, обръща внимание на случващото се около него - и това не е толкова просто, колкото изглежда.

Съмнението е по-добро от сигурността

Всички казват, че увереността в това, което правиш, е много важна. Моят учител по йога веднъж каза: „Ако чувстваш, че си достигнал просветление, ти просто се сблъскваш със собствените си граници.“ Това е вярно не само в духовната практика, но и в работата. За мен всички формирани идеологически позиции са съмнителни, защото съвършенството е безкрайно развитие. Изнервям се, когато някой безапелационно вярва в нещо. Всичко трябва да се постави под въпрос. За дизайнерите този проблем се появява дори в художественото училище, където ни учат на теорията на авангарда и факта, че човек може да промени света. В известен смисъл това е вярно, но най-често завършва с трудности с творческото самочувствие. Търговското сътрудничество с някого винаги е компромис и никога не трябва да се съпротивлява. Винаги трябва да допускате възможността опонентът ви да е прав. Преди няколко години прочетох най-доброто определение на Айрис Мърдок за любовта: „Любовта е изключително сложното осъзнаване, че някой друг освен нас е истински“. Това е брилянтно и описва абсолютно всяко съжителство на двама души.

Няма значение

За последния ми рожден ден ми подариха книга от Роджър Розенблат „Правила за стареене“. Заглавието не ми хареса, но съдържанието ме заинтригува. Първото правило, предложено от автора, се оказа най-доброто. Звучи така: „няма значение“. Без значение какво мислите – следвайте това правило и то ще добави десетилетия към живота ви. Няма значение дали закъсняваш или пристигаш навреме, тук си или там, дали не си казал нищо или си казал нещо, дали си умен или глупав. Няма значение каква прическа имате или как ви гледат приятелите ви. Ще бъдете ли повишени в работата, ще купите ли нова къща, ще получите Нобелова награда- всичко това е маловажно. Това е мъдрост!

говори истината

Понякога ми се струва, че дизайнът не е такъв най-доброто мястода търси истината. Разбира се, има определена етика в нашата общност, която сякаш е записана някъде. Но няма и дума за връзката на дизайнера с обществото. Казват, че в СССР при Сталин всичко, което се е продавало с етикет „телешко“, всъщност е било пилешко. Оттогава ме измъчва въпросът какво тогава се продаваше под прикритието на пиле? Дизайнерите носят не по-малка отговорност от месарите, затова трябва да внимават какво продават на хората под прикритието на телешко. Лекарите имат клетва: „Не вреди“. Вярвам, че дизайнерите също трябва да имат клетва: „Казвайте истината“.