Кои са най-добрите графични дизайнери на 21 век? Вие лично кой харесвате? Примери за графичен дизайн от цял ​​свят: как националността се отразява в произведенията на изкуството

Като част от лекцията на Moscow Design Week Сергей Серов говори за 25 фундаментални имена в графичния дизайн. Лекцията „Икони на дизайна“ беше придружена от илюстрации, в които лекторът показа основните характеристики на стила на всеки дизайнер и разказа как той е повлиял на световната общност.

Президентът на Международното биенале на графичния дизайн "Златна пчела", професор в Училището по дизайн RANEPA, направи исторически екскурз, посветен на развитието на графичния дизайн. Заглавието на лекцията „Икони на дизайна“ препраща към едноименната книга на Джон Клифърд, която Сергей Серов препоръчва на всеки, който се интересува от историята на дизайна. При избора си на 25-те най-влиятелни дизайнери лекторът се довери на вижданията на международната професионална графична дизайнерска общност. Сергей Серов нарече лекцията „Икони на дизайна“ субективно обобщение на обективни възгледи.

Една от основните движещи сили, който развива графичния дизайн от началото на 20-ти век, се превърна в руския авангард, така че първите позиции в списъка бяха заети от Александър Родченко и Ел Лисицки, които станаха икони и учители за много майстори. Манифестът на руския авангард стана основата на европейския авангард и известната швейцарска школа по графичен дизайн. Динамика, диагонали, символи на 20-ти век, изразени в образа на кола и нови скорости - всичко това беше разкрито на света на графичния дизайн от руските авангардни художници Родченко и Лисицки.

Няма идеални школи в графичния дизайн: майсторите носят нови технологии и визии, които остават в историята, но в същото време определени части от плаката могат да „увиснат“. Работата на дизайнерите е да учат най-добри практикии се учете от опита голямо количествострахотни графици. Историята включва имената на тези, които създават нови или подобряват съществуващите. съществуващи принципи, следва манифеста. Плакатът като продукт на графичния дизайн се формира и става предмет на изкуството благодарение на личности, нови технологии и в някои случаи на личната харизма на дизайнерите.

Топ 25 графични дизайнери:

1. Жул Шере
2. Александър Родченко
3. Ел Лисицки
4. Пит Цварт
5. Адолф Мурон Касандър
6. Алексей Бродович
7. Ян Чихолд
8. Йозеф Мюлер-Брокман
9. Емил Рудер
10. Extl Aicher
11. Хенрик Томашевски
12. Герб на Любалин
13. Милтън Глейзър
14. Масимо Винели
15. Карел Мартенс
16. Юсаку Камекура
17. Коичи Сато
18. Шигео Фукуда
19. Кения Хара
20. Алън Флетчър
21. Ейприл Грейман
22. Ралф Шрайвогел
23. Никлаус Трокслер
24. Дейвид Карсън
25. Стефан Загмайстер

Moscow Design Week е фестивал, посветен на дизайна във всичките му проявления, от мода до архитектура. Събитието ще събере представители на пазара на една сцена за създаване и укрепване на бизнес връзки, обмен на идеи и започване на ново успешни проектии развитие на дизайна в Русия.

Графичният дизайн се променя от култура на култура, повлиян от националните културни традиции, история и бит. Точно като музиката и изкуството, естетиката на графичния дизайн се различава от култура до култура.

Латиноамериканският графичен дизайн показва латиноамериканската любов към партитата и празненствата. Латинскоамериканските графични дизайнери не са обвързани с предразсъдъци, когато става въпрос за употреба ярки цветовеи контрастни елементи.

Минимализмът също се използва, но главно в уеб дизайна - и това не е същият "минимализъм" като другите. Светът може да научи много от латиноамериканците; например как да не приемаме живота много на сериозно и да се забавляваме. Те ни учат да възприемаме дизайна не само визуално, но и с всичките си шест сетива.

Китай

Китай е една от най-старите цивилизации, датираща най-малко от 4000 години. По време на своя разцвет Китай беше едно от най-развитите общества в света, но поради развитието на империализма и граждански войнизапочва неговият упадък. Китай обаче има богата художествена, литературна и културна история.

Китайският графичен дизайн е доста нов в сравнение със западния. През 1979 г. Китай отново отвори вратите си за света, приветствайки новите идеи и най-новите технологии. Страната прави бавен, но стабилен ход към демократични възгледи, като е по-либерална към новите идеи, особено в изкуството и дизайна.

Китай се изля с творческа енергия и силно чувство за национализъм (ако не и някаква неприязън към чужденците), така че не е изненадващо, че модерният графичен дизайн все още използва същите фигуративни елементи, открити в традиционното китайско изкуство.

Графичният дизайн в Китай е използван като ефективно средство за защитанеофициална политическа воля. Това беше средство за самоидентификация и себеизразяване.

Прекрасен китайски Уеб дизайн

Китайският уеб дизайн държи на флаш. Уебсайтовете от Китай са много интерактивни и игриви. Някои елементи в графичния дизайн са копирани от други култури. През последното десетилетие китайският графичен дизайн е силно повлиян от Запада, но все още запазва своята собствена китайска енергия и душа. Например в дизайна са използвани символи от фън шуй, калиграфия, културни фестивали и др.

Япония

Японското съвременно изкуство се предлага в много форми: архитектура, реклама, видео игри, аниме и графичен дизайн. Японското влияние в изкуството е огромно, внасяйки много идеи в графичния дизайн и съвременното изкуство като цяло. Японският графичен дизайн е градски и оригинален. Той показва цветове, близки до неоновите, симулиращи светлините, които виждаме през нощта в центъра на Токио.

Японският графичен дизайн е силно повлиян от японското традиционно изкуство и манга.

Брилянтен японски Уеб дизайн

Японският графичен дизайн е интересен, защото е коренно различен от това, с което сме свикнали на Запад. Той е много разнообразен, със смесица от старо и ново. От една страна, той е елегантен, футуристичен и много минималистичен. От друга страна, супер сладък, детски и ексцентричен.

Близък изток

Близкият изток е представен на Запад като мистериозен, омагьосващ и мистичен; това е земя на пясъци, летящи килими и вълшебни лампи, образ, който повечето от нас са посещавали само в мечтите си. Близкият изток е парадоксален - тази култура е обогатена с един от най-старите и най-обширните изобразително изкуствов история, датираща от хиляди години.

Въпреки това графичният дизайн в Близкия изток е доста млад. Борбата за арабския свят продължава: тук няма свободен художник най-добрият начинизкарват прехраната си, правителството не е много подкрепящо и има само няколко училища за графичен дизайн в региона.

Близкоизточният графичен дизайн е колкото очарователен, толкова и мистичен. Има силно влияние на старата калиграфия и арабското писмо, копиране на форми и модели.

Близкият изток бавно се отваря към културата на западното "консуматорско общество". Арабите обичат своето злато - и тази привързаност може ясно да се види в дизайна.

Подобно на останалата част от света, светът на Близкия изток е засегнат от вируса на минимализма, но все още запазва близкоизточната атмосфера, с която всички сме запознати.

Луксозен Близкия Изток Уеб дизайн

Близкоизточният дизайн е богат на цветове и култура. Подобно на други азиатски страни, Близкият изток се наслаждава на красиви символи и калиграфия. В някои области регионът остава консервативен по много въпроси.

Например, те трябва да се отворят за идеи на свободна практика, жени графични дизайнери и т.н. Този регион обаче е огнище на нови и смесени идеи. Те са адаптирали много западни идеи в дизайна, но са запазили уникалност, която ги прави различни от другите.

Холандия

Холандия е нидерландско говоряща държава, разположена в Северозападна Европа, граничеща с Белгия на юг и Германия на изток. Холандия е малка страна, но е дом на някои от най-великите майстори в историята: Рембранд, Ван Гог, Ван Ейк, Мондриан и Ван Дойсберг.

Холандският графичен дизайн се стреми към индивидуализъм, ако не и към анархизъм. Предпочита изчистени, минималистични решения - все пак тук се ражда движението De Seille, което предхожда минимализма. Холандците гравитират към концептуалното изкуство и съвременните теми. Опростеността се цени и "без дизайн" е често срещана стратегия за проектиране.

Холандските дизайнери често рисуват концептуално. Един от любимите ми е младият холандски графичен дизайнер Victor Van Gaasbeek, чиято работа е типично холандска, модерна, но използваща природни и природни елементи.

голям холандски Уеб дизайн

Холандия и съседните й страни определят тенденциите, когато става въпрос за графика и уеб дизайн. Тяхното изкуство е перфектно, концептуално и шик. Това не означава, че е напълно сериозно и подчинено на минимализма - Холандски дизайнможе да бъде игриво.

Може би поради силната финансова подкрепа на правителството за изкуствата или поради силната икономика на страната, или може би поради страстта на местните към изкуството, холандският графичен дизайн е сред най-напредналите в света.

Заключение

Тъй като различните култури имат различно минало и настояще, ние имаме различен опит, вярвания и морал. Виждаме света от малко по-различен ъгъл. Графичните дизайнери по целия свят имат свои собствени подходи към изкуството. Въпреки това, едно нещо остава сигурно: добрият дизайн винаги ще бъде добър дизайн.

Дори и да не разбираме значението, символите и калиграфията, които се използват, можем да различим добрия дизайн от лошия. Разбирането за изкуство съществува извън културните и географски граници; и е повече от сбора на нашата култура и вярвания. Осъзнаването на дизайна е международно и универсално чувство, което се усеща от всеки, независимо от цвета на кожата или националността.

Това е един от онези въпроси, които са едновременно много прости и много трудни за отговор. Просто защото въпросът не звучи така, да кажем: „Кои млади таланти смятате за достойни за внимание?“, а точно „кой се счита“, та дори и „успешен“, и то точно „в 21 век“. Тези. това е въпрос за обективно успешните хора днес. Ако засега не се заяждаме с понятието „успех“ (е, да кажем, че това е „слава и пари“ или по-просто казано, медийно представяне и значими проекти/клиенти), то у нас тези, които са признати за такива от експертните общности се считат за успешни. Все още не съм виждал оценки въз основа на отзиви на клиенти, тъй като те не се занимават с достатъчна извадка и не се ръководят от вътрешни професионални критерии. Тоест най-добрите дизайнери са тези, които са посочени от други дизайнери. Е, те получиха еквивалента на „Награда на Академията“ или нещо подобно.

Например преди няколко години американското списание Graphic Design (GD USA), което празнува своята 50-годишнина, публикува класация на „най-добрите“ в нашата професия. Връзката към моя блог () с тази новина съдържа коментари, които няма да представя тук отново. Рейтингът е предвидим за американско списание, а наборът от имена е още повече. Има обаче много напълно произволни извадки, намесващи толкова различни хора, че се чудиш как се разбират в рамките на единни критерии, но това е на съвестта на „уважаемите редактори“.

Но, естествено, респектиращият рейтинг на AIGA или споменатото списание DG е смесица от предимно членове на „световния отбор“, живеещи (живеещи) в Съединените щати или други англоезични страни: австриецът Щефан Загмайстер, италианецът Масимо Винели или британец с руски корени Иван Чермаев. Можете да намерите отдавна изчезналия гений на „новата типография” Ян Чихолд и живия патриарх на Нюйоркската школа Милтън Глейзър и др. и т.н. Отидете до оригиналния източник.

Не знам обаче как присъствието в този списък на хора, които вече са над 70 или дори над 80, корелира с очакванията на автора на въпроса за „в 21 век“, но ви уверявам, че в нашия век имената на тези майстори поне няма да бъдат забравени, тъй като техният модел на творчество е издържал всички възможни изпитания. Това е и отговорът на втората част от въпроса („кой харесвате лично вие”). Предпочитанията ми съвпадат с професионалния мейнстрийм. Старо вино и дълго отлежаване... В житейски път„Великите дизайнери“ могат да черпят вдъхновение от тези, които търсят успешни истории и тези, които са привлечени от дизайна като форма на изкуство (в смисъл на определена дейност, която не е изцяло погълната от търговията).

Последната забележка е ключът към проблема, защо тази тема е не само лесна за разглеждане, но в същото време и сложна. Дизайнът (като всяка социална практика) не може да бъде ясно дефиниран. Също като изкуството, на което дизайнът понякога се противопоставя, понякога се идентифицира като специален случай на изкуството. Следователно нито един рейтинг не може да задоволи всички и да се счита за недвусмислен и обективен. Критериите за подбор ще продължат да проблематизират темата, а не да създават твърда рамка. Да не говорим за обичайното „кои са съдиите?“, т.е. упреци за прекомерната „американоцентричност“ на рейтинга или, обратно, в други случаи, ориентация към, да речем, холандския или швейцарския „дискурс“ за дизайна.

В тази връзка отбелязвам: има мнение, че в нашата „постмодерна“ ситуация вече не съществуват звезди в стария смисъл (не продуценти-прелетници, а влиятелни фигури в дългосрочен план) в нито една творческа област . Мисля, че от една страна, не звездите угаснаха, а самата „небесна твърд“ се промени. Феноменът светлина върху светлина. Където е светлината на небето - информационно изобилие. Светът вече не е готов да възприема авторитетните професионалисти в своята област като едва ли не пророци, авторитети с гледна точка за всичко на света, чиято всяка дума се улавя алчно от пресата. Поетът вече не е „повече от поет“. И в известен смисъл това дава надежда. Чип Кид (американски дизайнер, също включен в класацията на GD USA) каза, че „известният дизайнер е като известен водопроводчик“. Тоест, разбира се, има квалифицирани майстори, които са особено уважавани в професионалната си общност при смяна на кран или отстраняване на теч, но едва ли ще бъдат обърнати към тях с въпроси относно политиката, морала, съдбата на човечеството или отглеждането на деца.

Защо дизайнерите, дори тези, които (като самия Кид) са публично известни, се считат за авторитети в нещо различно от самия дизайн? Какво прави един дизайнер известен и следователно и само поради това „най-добрият“? Това е обслужваща професия, владеене на „визуална комуникация“, „инфоархитектура“ (E. Spiekerman) и нищо повече. Най-добрият дизайнер просто върши добре работата си почти винаги. Понякога неочаквано оригинален. Но, за разлика от учен или политик, той не влияе на нищо друго, освен на увеличаване на продажбите на подсладена вода или чипс. И дори тогава сред другите членове на екипа (маркетолози, инженери и т.н.). Да, със сигурност има „приложни“ професии, при които „считан за известен“ може да има истинско обществено признание. Хирургът, който извърши първата трансплантация на глава на пациент, вероятно ще изпревари в класацията също толкова квалифициран зъботехник. Най-доброто от моите колеги професионалисти. Но възможна ли е такава аналогия във връзка с разглежданата проблематика?

Имайте предвид, че „рок звездите“ на дизайна по правило са или тези, които са ангажирани, включително некомерсиални проекти, маскирани като съвременно изкуство (Sagmeister), или които популяризират личната си „марка“ като модни дизайнери-кутюриери ( Brody ), или тези, които активно и екстензивно теоретизират и пишат (Бейрут, Карсън или по-рано Винели, Мунари, Ранд и др.). Тези. Това са онези, които се превърнаха в „тренд сетъри“ не толкова поради търсенето и качеството на услугите си, а по-скоро привлякоха вниманието чрез публични дейности „за“ дизайна. Доколкото разбирам, „тежестта“ на този или онзи „велик дизайнер“ в общността по правило не зависи от „хамбургската оценка“ (терминът на В. Шкловски), т.е. от неговото „умение” като съвкупност от спортни постижения, „оригиналност на стила” и т.н., а от значимостта на професионалните му рефлексии, способността да посочи с дума или дело или, обратно, да проблематизира пътя по-нататъшно развитиепрофесии... Рок музиката дава добра аналогия тук. Колко невероятни виртуози на китара не са включени в рейтингите на RollingStone, защото не са пели, не са писали собствена музика или интерпретирали нечия чужда музика по такъв начин, че да е била „присвоена“, сякаш е „открадната“ (Пикасо). В крайна сметка китаристът е същият „дизайнер-изпълнител“. Какво ще кажете за Хендрикс, Би Би Кинг, Клептън? кои са те Те са подобни на „арт директор“, „налагатели на тенденции“ и т.н.

Следователно можем да кажем това. Всички имена на дизайнери, изброени в рейтинга (въпреки наличието на отделни категории в списъка на GD USA), са обединени от факта, че те не са „дизайнери“ (т.е. „изпълнители“). Те са именно “арт директори”, т.е. хора, водещи проекти, в които много от тях са наети или като „композитори“ (или „сценаристи“/„продуценти“), или като „играещи треньори“. Sagmeister вероятно не "прави" много от това, което отделният член на неговия екип прави по даден проект. Както, между другото, уменията на оператора или актьорската игра в киното не винаги са заслуга на режисьора. Това, което отличава дизайна от изкуството (включително) е не само масовото тиражиране (механичното възпроизвеждане на Бенджамин), но именно анонимността (т.е. има не „авторски”, а команден характер) на тиражирането. Логотата и билбордовете не са подписани от техните създатели. Марка, държава или правителство се обръща към обществото обществена организация. Само авторско и лично изказване може да бъде известно извън тясната професионална общност.

Става така, че изкуството борави с уникалността на оригинала и ниските тиражи (въпреки че всичко се променя в ерата на новите медии), с висока степен на проявление на авторския жест. Но дизайнът е обратното. Да, и дизайнът, и изкуството са творчески практики по дефиниция. Но това не е достатъчно, за да очакваме автоматично аура на „слава“ от дизайнера. Изкуството е фокусирано предимно върху поставянето на обществено значими проблеми (т.е. очевидно привлича интерес отвъд целева аудитория), а дизайнът обикновено е недвусмислено търговско (и следователно локално) ценно послание, което предоставя „отговори“ (какво, къде и защо да купя). И това се отнася не само за „продаващата“ реклама, но и за „информиращия“ дизайн като такъв.

ЗАВЪРШВАМЕ ПОРЕДИЦА ОТ ИНТЕРВЮТА, ПОСВЕТЕНИ НА СЪДБАТА НА ОТЧЕТНИЯ ГРАФИЧЕН ДИЗАЙН, НЕГОВАТА НАЙ-НОВА ИСТОРИЯ В ЛИЦА. НЕЙНИТЕ ГЕРОИ, КАТО ЕЛЕМЕНТОВИ ФИГУРИ НА РУСКАТА ДИЗАЙН СЦЕНА, ПРЕДСТАВЯХА НЕ САМО СОБСТВЕНОТО СИ ТВОРЧЕСТВО, НО И СВОИТЕ ПОКОЛЕНИЯ, АКТИВНО И УСПЕШНО РАБОТЯЩИ ПРОФЕСИЯТА ДНЕС.

По-старото поколение, дизайнери, родени през 30-те и 40-те години, беше представено с интервю с (1938), когото великият Масимо Винели нарече най-добрия дизайнер на книги в света. Но зад него, или по-скоро до него, има цяла кохорта от блестящи имена. Ефим Цвик (1935-2005), Николай Калинин (1937), Аркадий Троянкер (1937), Валерий Акопов (1938), Юлий Перевезенцев (1938), Николай Попов (1938), Александър Шумилин (1938-2007), Борис Трофимов (1940) ), Максим Жуков (1943), Александър Коноплев (1943), Евгений Добровински (1944), Андрей Костин (1947-2000), Валерий Василиев (1949). Всички са лауреати международни състезания, носители на най-високи награди от най-престижните световни професионални изложения.

Аркадий Троянкер

ИПЕК - Михаил Аникс

Познавам ги от много отдавна, всички са ми по-стари другари и приятели. Но не спирам да се учудвам на тяхната неизчерпаема енергия, непонятен ентусиазъм и искрящ талант. От интервю с Михаил Аникст става ясно откъде идва тази творческа сила. От студентските години и младостта. Всички те са по същество „шестдесетници“, тяхното творческо развитие се случи в епохата на „размразяването“, времето на обръщане към модерен святи вашите собствени творчески търсения. След десетилетия на страх и ужас, съвсем малко отвиване на винтовете и отварянето на желязната завеса беше достатъчно, за да настъпи тектонична промяна и поколение с невероятни жизнена енергия, която години наред остава лидер в културата. В графичния дизайн това поколение беше в челните редици на професията през 60-те, 70-те и 80-те години. И до ден днешен тя е актуална и се ползва с невероятна почит и авторитет. Това е поколение от титани, герои, станали дизайнери не благодарение, а въпреки всички обстоятелства.

Борис Трофимов

Това време може да се опише с един парадоксален афоризъм: нямахме дизайн, но имахме дизайнери. Имаше дизайнерски имена, които бяха известни на целия професионален свят и дизайнът като търсена част от икономиката, културата и обществен живот- не Дори нямаше такава дума. Индустриалният, предметен дизайн се наричаше „художествен дизайн“. Теория на дизайна – “техническа естетика”. И вместо „графичен дизайн“ имаше няколко съветски евфемизма. В индустриален контекст графичният дизайн се нарича "индустриална графика" или накратко "индустриална графика". В Съюза на художниците псевдонимът на графичния дизайн беше „приложна графика“. В Полиграфическия институт, където се занимаваха с дизайн на елитни книги, той се наричаше „ХТОПП“ - „художествено-технически дизайн на печатни продукти“ в Строгановка се появи друга словесна конструкция: „промишлена графика и опаковки“ и др.

Борис Трофимов

Владимир Чайка

Средното поколение са сегашните 40-50 годишни. Представен е в списанието (1967) и (1964). Най-известните фигури от това поколение са Светлана (1952) и Александър (1953) Фалдинс, Юрий Боксер (1953-2002), Владимир Чайка (1955), Андрей Шелюто (1960), Елена Китайева (1960), Юрий Сурков (1961) , Анатолий Гусев (1963), Евгений Корнеев (1964), Андрей Логвин (1964), Ерик Белоусов (1964), Еркен Кагаров (1966), Сергей Кужавски (1966), Пьотър Банков (1969).

Игор Гурович

Това поколение започна да се проявява в края на 80-те години, но напълно влезе в себе си през 90-те години, което стана времето на техния възход, когато настъпи неочаквана актуализация на графичния дизайн. Именно той беше най-търсеният от нововъзникващата пазарна икономика. Стотици хиляди нови икономически и социални субекти обявиха раждането си с помощта на лога, корпоративни стилове, реклама и други атрибути на цивилизованата дейност. Пред очите ни графичният дизайн започна да се превръща в най-разпространената дизайнерска специализация, внезапно се превърна в модерна и престижна професия.

Масовата компютъризация на професията, която съвпадна със социалните промени и търговския бум, предостави на дизайнерите напълно нови, безпрецедентни възможности, които ги освободиха от предишните технически ограничения. Но за неофитите, които се изсипаха в тази област, компютърната свобода се превърна в неустоимо изкушение за всепозволеност, освобождавайки ги от самото професионална култура, натрупани малко по малко от предишното поколение.

Андрей Логвин

Елена Китайева

И в новите обстоятелства беше възможно да станете истински дизайнер, майстор от световна класа, „не благодарение, а въпреки“. Това поколение трябваше да разбере, че дизайнът е лесна и интересна професия, но в същото време е трудна, съблазнителна и опасна, защото тук стана много лесно да се хлъзнеш в продажността, лошия вкус и пошлостта. Героите на това поколение се стремят да запазят културно-творческия смисъл на професията като служба, фокусирайки се върху вътрешния глас на професионалната съвест и строгата преценка на своите колеги. Те получиха тази закваска от майстори от по-старото поколение, след като успяха да уловят старите романтични времена.

Еркен Кагаров

Андрей Шелюто

Както може да се види от интервюта с и, те се стремят не само да решават непосредствени проблеми, но и всеки път си поставят супер задачи, повдигайки професионалната летва, отразявайки в своите произведения културната роля на професията, тяхното място в нея, и особеностите на националния дизайн.

Младите хора - 20-30 години - са представени чрез интервюта с Протей Темен (1984) и (1974). До тях можете да поставите още Анна Наумова (1973), Дмитрий Захаров (1975), Анастасия (1980) и Александра (1982) Фалдинс. И засега това вероятно е всичко, ако говорим за имената, представящи Русия на световната професионална сцена, за лауреатите на международни конкурси. Героите от това поколение имат значително по-малко световни награди. И тук има много по-малко известни имена.

И това въпреки факта, че няма нищо подобно на отслабване на търсенето на графични дизайнери. Обратно. Броят на висшите учебни заведения у нас, издаващи дипломи по специалността „графичен дизайн“, вече надхвърли двеста и половина. Тук трябва да добавим свързани или пресичащи се с него специализации, като „уеб дизайн“, „телевизионен дизайн“, „медиен дизайн“, „компютърен дизайн“, „рекламен дизайн“ и др. И днес графичният дизайн с екип от тези свързани дизайнерски специализации се превърна в очевиден лидер в дизайнерската култура.

Смяната на ръководството е световна тенденция информационно общество. Водещата културна роля се премества от индустриалния дизайн, работещ с технологичната палитра на масовото индустриално производство, към по-мобилни, свободни, леки жанрове, по-малко вкоренени в технологични условиякреативност. Сред тях на първо място е графичният дизайн. Компютърното преоборудване на технологичната база на дизайна засили тези качества на лекота, свобода и независимост, а работата с изображения и информация, която е позната на графичния дизайн, напълно отговаря на изискванията на информационното общество.

Графичният дизайн пръв прие предизвикателството на времето, свързано с тоталната компютъризация на всички сфери на постиндустриалното общество и излезе на открито. виртуално пространство„постгутенбергова галактика“. Друго негово качество, неговата всепроникваща способност, му позволява да обитава виртуални мултимедийни среди в детайли, да овладява екранната култура и информационните иновации.

Младото дизайнерско поколение е тъжно за романтичните времена на професията, подозирайки, че времето на героите е нещо от миналото. Но с цялата си творческа дейност той доказва, че това не е така.

Да бъда дизайнер - тежък кръст. Но всяко истинско призвание е кръст. И така е винаги и навсякъде, не само у нас. Но особено в нашата.

Завършихме нашата поредица от интервюта, но това не означава, че няма да има повече за нашите графични дизайнери от различни поколения. С тази поредица ние само очертахме основните области на интерес в графичния дизайн - постиженията на нашите майстори в международен контекст, графичния дизайн като стилообразуваща дейност, която оформя визуалния пейзаж на страната и света, като най-актуален изкуство на нашето време.

Милтън Глейзър през 1974 г. Снимка: © Cosmos Sarchiapone

Въпреки напредналата си възраст, Милтън Глейзър продължава да се занимава с творчество. Именно той даде на света New York Magazine, известния психеделичен плакат, изобразяващ Боб Дилън, корпоративната идентичност на Brooklyn Brewery и, разбира се, постоянния символ на Ню Йорк - логото I love New York.

Вече надхвърлил осемдесет години, Милтън Глейзър живее в Манхатън и въпреки че мнозина на тази възраст вече се пенсионират, той управлява собствено дизайнерско студио, което е в разгара си. Както преди много години, той продължава да рисува плакати, да създава лога и да развива фирмени стилове. Освен с практика Глейзър се занимава и с теория: изнася лекции в университети, пише есета и теоретични дискусии за връзката между дизайна и изкуството и тяхното взаимно влияние, за професията дизайнер и сложността на творческия процес.

Логото е създадено през 1977 г.

Детство и образование

Милтън Глейзър е роден на 26 юни 1929 г. в Ню Йорк в еврейско семейство с унгарски корени. Когато Милтън беше на пет години, братовчед му нарисува кон пред него - тогава Глейзър осъзна силата на графичното изкуство. За първи път виждаше някой да рисува нещо, което действително съществуваше. Той смяташе, че може да създаде цял свят с просто движение на молив. Това ентусиазирано чувство не го напуска през целия му живот.

На седемнадесет години Глейзър потвърждава желанието си да стане художник. Тогава той осъзна, че истинската цел на изкуството е да ни направи внимателни; изкуството ни помага да оцелеем. В интервю за списание Smashing Глейзър каза, че седял на кухненската маса и изведнъж решил да нарисува портрет на майка си. В този момент осъзна, че не знае как изглежда тя. Едва когато решил да нарисува майка си, се заинтересувал от външния й вид.

Глейзър учи в гимназията за музика и изкуство в Манхатън, след което през 1951 г. завършва частния колеж Cooper Union в Ню Йорк (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art). да живее в друга страна, а именно в Италия.След като завършва колеж, Глейзър постъпва в Академията за изящни изкуства в Болоня (Accademia di Belle Arti di Bologna) със стипендия Фулбрайт: там той учи в класа на италианския художник Джорджо Моранди.

Push Pin Studios

През 1954 г. Глейзър основава Push Pin Studios с приятели от колежа Рейнолд Ръфинс, Сиймур Чваст и Едуард Сорел. Идеята да създадат собствена компания идва на Сорел и Чваст, след като в същия ден са уволнени от списание Esquire. С последните си пари те наели тъмна и влажна стая на East 17th Street в Манхатън. Няколко месеца по-късно Глейзър се завръща от Италия и се присъединява към студиото. В продължение на двадесет години Глейзър и Сиймор ръководят работилница, която ще окаже дълбоко влияние върху развитието на графичния дизайн по света.

Акцентът на Push Pin Studios беше изложбата The Push Pin Style в Лувъра: през 1970-1972 г., освен в Париж, тя посети и други градове в Европа, Бразилия и Япония.

Push Pin Studios все още съществува, само сега едноличен директоре Сиймор Чваст.

През 1967 г. Милтън Глейзър, работещ в Push Pin Studios, създава психеделичен портрет на Боб Дилън, който по-късно е използван за дизайна на колекция от най-големите хитове на певеца.

Списание Ню Йорк

През 1968 г. Глейзър създава New York Magazine с Клей Фелкър. Глейзър е президент на компанията и директор по дизайна до 1977 г. Първоначално списанието е създадено като своеобразна алтернатива на вече съществуващия The New Yorker. Той се оказва нахален и прям и става част от т. нар. Нова журналистика, движение в американската журналистика през 60-те и 70-те години на миналия век. Тази публикация се превърна в икона на градското списание и породи цяла поредица от имитации.

В продължение на шест или седем години Глейзър и Джеръм Снайдер написаха The Underground Gourmet, пътеводител за евтините ресторанти в Ню Йорк. Първоначално беше само колона в New York Magazine. Всички се интересуваха къде могат да хапнат евтино и вкусно, затова рубриката стана толкова популярна, че се наложи да бъде издадена цяла книга.

Уолтър Бърнард и Милтън Глейзър

WBMG

През 1983 г. Глейзър съосновава WBMG с Уолтър Бърнард. Това беше малка дизайнерска фирма, която се занимаваше издателска дейност. По време на своето съществуване те са проектирали повече от петдесет списания, вестници и други периодични издания по целия свят, а също така са актуализирали дизайна на такива известни вестници като американския The Washington Post, каталонския La Vanguardia и бразилския O Globo.

Milton Glaser, Inc. Изкуството е работа

През 1974 г. Глейзър основава свое собствено студио, Milton Glaser, Inc., в Манхатън. , която е в експлоатация и до днес. Освен самия Глейзър, в студиото работят още двама дизайнери: Сю Уолш и Джи-юн Лий. Дейността на компанията обхваща почти всички области на дизайна – от създаване на лога до интериорен дизайн. В областта на печатната графика ателието се развива корпоративна идентичност, което включва лога, бланки, брошури, табели и годишни отчети. В областта на интериорния и екологичния дизайн те концептуализират и управляват създаването на различни продукти, интериори и екстериори на ресторанти, търговски центрове, хотели и други търговски и търговски площи.

© Милтън Глейзър
Лого на Brooklyn Brewery. © Милтън Глейзър
Лого на списание New York. © Милтън Глейзър
Лого на фирма за семена. © Милтън Глейзър
Лого на звукозаписната компания Tomato Records. © Милтън Глейзър, 1978 г
Лого на ангелите в Америка. © Милтън Глейзър
Лого на DC Comics. © Милтън Глейзър 1977 г
Театрално лого на Училище за визуални изкуства. © Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър

„Създаването на лого е една от най-скучните задачи за един дизайнер. Има още много интересни неща“.Милтън Глейзър е наричан най-плодотворният дизайнер на лого. Наистина, малко хора са успели да нарисуват толкова много запомнящи се знаци. „Говоренето за лога е много скучно“, казва американецът в интервю за списание Smashing. „Знаете защо всички говорят за тях: носят пари.“

Най-копираното лого в света

Разбира се, най-много известно логоСмята се, че Глейзър обичам Ню Йорк, който създава в средата на 70-те за рекламна кампанияза развитие на туризма в Ню Йорк. Логото се състои от главна буква I, символ на червено сърце и главни букви NY, съкращение на град Ню Йорк. Буквите са поставени в шрифт American Typewriter sans serif.

Оригинална скица на лого

През 1977 г. Министерството на търговията на щата Ню Йорк поиска от рекламната агенция Wells Rich Greene да разработи маркетингова кампания за щата Ню Йорк. Милтън Глейзър също беше привлечен да работи по проекта. Интересното е, че Глейзър нарисува I love NY на доброволни начала (т.е. безплатно), мислейки, че кампанията ще продължи само няколко месеца и ще изчезне безследно. Но това лого стана толкова популярно, че започна да се използва навсякъде и мнозина наричат ​​I love NY най-успешното лого в историята на графичния дизайн.

Логото придоби особено значение след събитията от 11 септември, като породи дух на единство и взаимопомощ сред жителите на града. Много посетители на града носеха тениски I love New York, за да изразят подкрепата си за всички засегнати от терористичната атака.

Няколко дни след събитията от 11 септември Глейзър се събужда и осъзнава, че логото му вече не е това, от което се нуждаят жителите на града. Чувствата му към града се промениха и логото също трябваше да се промени. Ето как се появи нова версия на логото с думите I love NY More Than Ever ( „Обичам Ню Йорк повече от всякога“) с малко черно петно ​​върху червено сърце. Местоположението на тази почернена зона не е случайно: то отбелязва мястото на картата на Ню Йорк, където се е намирал Световният търговски център.

Глейзър поиска помощ при създаването нова версиялого на Училището по визуални изкуства. Той се обади на приятеля си Сайлъс Роудс и каза, че има идея: иска да отпечата плакати и да ги постави в метрото. В резултат на това бяха отпечатани пет хиляди плаката, които учениците разлепиха из целия град. Така почти от всеки прозорец в града се виждаше този плакат, който още повече обедини жителите.

Логото се превърна в икона на поп културата и все още се използва навсякъде, от чаши и тениски в Ню Йорк до огромни банери. Ню Йорк се опитва да запази авторските права върху логото, но по данни от 2005 г. са регистрирани около три хиляди случая на имитация.

Глейзър говори за скициране на логото в задната част на такси в Ню Йорк: „Бях развълнуван. Имаше чувство за неизбежност в идеята ми. Формата и съдържанието бяха толкова обединени, че беше невъзможно да се отделят едното от другото. Глейзър все още не разбира защо това лого стана толкова популярно не само в Ню Йорк, но и в целия свят.

Дизайнът като изкуство

Работата на Милтън Глейзър е включвана в множество изложби по света, включително самостоятелни изложби в музея съвременно изкуствов Ню Йорк (Музей на модерното изкуство) през 1975 г. и в Центъра Помпиду в Париж (Centre Georges Pompidou) през 1977 г. Милтън Глейзър е излагал многократно в Италия. През 1991 г. италианското правителство го кани да курира изложба в чест на 500-годишнината на италианския художник Пиеро дела Франческа. Изложбата беше открита в Арецо и година по-късно, благодарение на спонсорството на Campari, се премести в Милано. През 1994 г. Глейзър прави изложба в родния си град Cooper Union College. През 1997 г. в Япония е представена ретроспекция на работата на Push Pin Studios, която включва лични творби на Милтън Глейзър и други студийни артисти. Основната ретроспекция на творчеството му обаче беше открита през февруари 2000 г. във Венеция, във Fondazione Bevilacqua La Masa.

Графични произведения на Милтън Глейзър.
Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър.
Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър.
Графични произведения на Милтън Глейзър.
Графични произведения на Милтън Глейзър.
Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър. Графични произведения на Милтън Глейзър.

Принос към културата

През цялата си кариера Милтън Глейзър получава много награди, включително през 2004 г. получава награда за значителен принос в развитието на модерен дизайнот Националния музей на дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Приносът на Глейзър за развитието на графичния дизайн е огромен: за мнозина той е живото въплъщение на американския графичен дизайн, рядък пример, който съчетава дълбоко интелектуално мислене с невероятно богатство на визуален език.

10-те правила на Милтън Глейзър

Работете само с хора, които харесвате

Отне ми много време да формулирам това правило за себе си. Когато започнах, мислех точно обратното, че професионализмът е способността да работиш с всякакви клиенти. Но с годините стана ясно, че най-смисленият и добър дизайн е измислен за онези клиенти, които по-късно станаха мои приятели. Изглежда симпатията е много по-важна от професионализма в нашата работа.

Ако имате избор, не приемайте работата.

Един ден чух интервю по радиото с прекрасния композитор и философ Джон Кейдж младши. Тогава той беше на седемдесет и пет години. Водещият попита: „Как да се подготвим за старостта?“ Винаги си спомням отговора на Кейдж: „Имам един съвет. Никога не ходете на работа. Ако ходите в офиса всеки ден през целия си живот, един ден ще бъдете изритан от вратата и ще бъдете изпратен да се пенсионирате. И тогава със сигурност няма да сте готови за старостта - ще ви изненада. погледни ме Откакто бях на дванадесет години, всеки ден правя едно и също нещо: събуждам се и мисля как да спечеля парче хляб. Животът не се е променил, откакто остарях."

Избягвайте неприятните хора

Това е продължение на първото правило. През 60-те години имаше гещалт терапевт на име Фриц Пърлс. Той предположи, че във всички взаимоотношения хората или си тровят живота, или подхранват живота си. Освен това всичко зависи не от човека, а от връзката. Знаете ли, има лесен начин да проверите как ви влияе общуването с някого. Прекарайте известно време с този човек: вечеряйте, разходете се или пийнете едно или две напитки. И обърнете внимание как ще се чувствате след тази среща – вдъхновени или уморени. И всичко ще стане ясно.

Няма достатъчно опит или защо? добър врагизключителен

Вече казах, че на младини бях обсебен от професионализма. Всъщност опитът е друго ограничение. Ако имате нужда от хирург, най-вероятно ще отидете при някой, който е правил тази конкретна процедура много пъти. Не искате някой, който е решен да изобрети нов начин за използване на скалпел. Не, не, без експерименти, моля, направете всичко както винаги сте го правили и както е правено преди вас. В нашата работа е обратното: добър е този, който не повтаря нито себе си, нито другите. Добрият дизайнер иска да използва скалпела по нов начин всеки път или дори решава да използва градинска лейка вместо скалпел.

По-малкото не винаги е по-добро

Всички сме чували израза „по-малкото е повече“. Това не е съвсем вярно. Една хубава сутрин се събудих и разбрах, че това най-вероятно са пълни глупости. Може да звучи добре, но в нашата област този парадокс няма смисъл. Спомнете си персийските килими, дали „по-малко“ би било по-добре в техния случай? Същото може да се каже за произведенията на Гауди, стила Арт Нуво и много други. Затова формулирах ново правило за себе си: по-добре е, когато има точно толкова, колкото ви трябва.

Не се доверявайте на стилове

Сигурен съм, че всички сте виждали илюстрациите на Пикасо за Непознатия шедьовър на Балзак. Той изобразява бика в дванадесет различни стила: от натуралистичен начин до едноредова абстракция. В този случай стилът е неуместно понятие. Глупаво е да се отдадете на който и да е стил, защото никой от тях не ви заслужава напълно. За дизайнерите от старата школа това винаги е било трудно, защото с годините се развиват почерк и визуален речник. Но модата на стила се медиира от икономически показатели, тоест практически от математика - не можете да спорите с това. Маркс е писал за това. Следователно на всеки десет години стилистичната парадигма се променя и нещата започват да изглеждат различно. Същото се случва с шрифтове и графики. Ако планирате да останете в професията повече от десетилетие, силно препоръчвам да сте подготвени за тази промяна.

Начинът на живот променя начина, по който мислите

Мозъкът е най-чувствителният орган в нашето тяло. Той е най-податлив на промяна и регенерация. Преди няколко години във вестниците имаше интересна история за търсенето на абсолютна височина. Както знаете, такъв слух е рядкост дори сред музикантите. Не знам как, но учените са открили, че хората с абсолютна височина имат различна структура на мозъка: някои лобове са някак си деформирани. Това само по себе си е интересно. Но тогава те откриха нещо още по-удивително: ако деца на четири или пет години се учат да свирят на цигулка, има шанс някои от тях да започнат да променят структурата на мозъчната кора и да развият абсолютна височина. Сигурен съм, че рисуването влияе на мозъка не по-малко от свиренето на музика. Но вместо слух ние развиваме внимание. Човек, който рисува, обръща внимание на случващото се около него - и това не е толкова просто, колкото изглежда.

Съмнението е по-добро от сигурността

Всички казват, че увереността в това, което правиш, е много важна. Моят учител по йога веднъж каза: „Ако мислиш, че си достигнал просветлението, ти си достигнал само лимита си.“ Това е вярно не само в духовната практика, но и в работата. За мен всички формирани идеологически позиции са съмнителни, защото съвършенството е безкрайно развитие. Изнервям се, когато някой вярва в нещо категорично. Всичко трябва да се разпитва. За дизайнерите този проблем се появява дори в художественото училище, където ни учат на теорията на авангарда и факта, че човек може да промени света. В известен смисъл това е вярно, но най-често завършва с трудности с творческото самочувствие. Търговското сътрудничество с някого винаги е компромис и това никога не трябва да се съпротивлява. Винаги трябва да допускате възможността опонентът ви да е прав. Преди няколко години прочетох най-добрата дефиниция на Айрис Мърдок за любовта: „любовта е изключително сложно осъзнаване, че някой друг освен нас самите е истински“. Това е брилянтно и описва абсолютно всяко съжителство на двама души.

Няма значение

За последния ми рожден ден получих книгата на Роджър Розенблат „Правила за стареене“. Заглавието не ми хареса, но съдържанието ме заинтересува. Първото правило, предложено от автора, се оказа най-доброто. Звучи така: „няма значение“. Без значение какво мислите, следвайте това правило и то ще добави десетилетия към живота ви. Няма значение дали закъсняваш или навреме, дали си тук или там, дали си мълчал или си казал нещо, дали си умен или глупав. Няма значение каква прическа имате или как ви гледат приятелите ви. Ще бъдете ли повишени в работата, ще купите ли нова къща, ще получите Нобелова награда- нищо от това няма значение. Това е мъдрост!

кажи истината

Понякога имам чувството, че дизайнът не е такъв най-доброто мястода търси истината. Разбира се, в нашата общност има определена етика, която сякаш дори е записана някъде. Но в него няма нито дума за връзката на дизайнера с обществото. Казват, че в СССР по времето на Сталин всичко, което се продава с етикет „телешко“, всъщност е било пилешко. Оттогава ме измъчва въпросът какво тогава се продаваше под прикритието на пиле? Дизайнерите носят не по-малка отговорност от месарите, затова трябва да внимават какво продават на хората под прикритието на телешко. Лекарите имат клетва: „Не вреди“. Вярвам, че дизайнерите също трябва да имат клетва: „Казвайте истината“.