أي مصممي الجرافيك في القرن الحادي والعشرين يعتبر الأفضل؟ من تحب شخصيا؟ أمثلة على التصميم الجرافيكي من جميع أنحاء العالم: كيف تنعكس الجنسية في العمل الفني

كجزء من قاعة المحاضرات في أسبوع موسكو للتصميم ، تحدث سيرجي سيروف عن 25 اسمًا أساسيًا للتصميم الجرافيكي. كانت محاضرة "أيقونات التصميم" مصحوبة برسوم توضيحية ، أظهر فيها المحاضر الملامح الرئيسية لأسلوب كل مصمم وتحدث عن تأثير ذلك على المجتمع العالمي.

قدم رئيس البينالي الدولي للتصميم الجرافيكي "النحلة الذهبية" ، الأستاذ في مدرسة رانيبا للتصميم ، رحلة تاريخية حول تطوير التصميم الجرافيكي. يشير عنوان المحاضرة "أيقونات التصميم" إلى الكتاب الذي يحمل نفس الاسم للكاتب جون كليفورد ، والذي يوصي سيرجي سيروف به أي شخص مهتم بتاريخ التصميم. في اختياره للمصممين الخمسة والعشرين الأكثر نفوذاً ، اعتمد المحاضر على آراء مجتمع التصميم الجرافيكي المحترف الدولي. وصف سيرجي سيروف المحاضرة "أيقونات التصميم" بأنها تعميم ذاتي للآراء الموضوعية.

أحد الأمور المهمة القوى الدافعة، الذي طور التصميم الجرافيكي منذ بداية القرن العشرين ، أصبح رائدًا روسيًا ، لذا احتل ألكسندر رودشينكو وإل ليسيتسكي المراكز الأولى في القائمة ، اللذان أصبحا أيقونات ومعلمين للعديد من الأساتذة. أصبح بيان الطليعة الروسية أساس الطليعة الأوروبية والمدرسة السويسرية الشهيرة للتصميم الجرافيكي. الديناميكيات والأقطار ورموز القرن العشرين المعبر عنها في صورة آلة وسرعات جديدة - كل هذا اكتشفه الفنانون الطليعتان الروس Rodchenko و Lissitzky في عالم التصميم الجرافيكي.

لا توجد مدارس مثالية في تصميم الجرافيك: يجلب المعلمون تقنيات ورؤى جديدة تدخل التاريخ ، ولكن في نفس الوقت ، يمكن أن "تتدلى" الأجزاء الفردية من الملصق. مهمة المصممين هي التعلم أفضل الممارساتوالتعلم من التجربة عدد كبيرفناني الجرافيك العظماء. يتضمن السجل أسماء أولئك الذين ينشئون جددًا أو يتحسنون بالفعل المبادئ الموجودة، يتبع البيان. تم تشكيل الملصق كمنتج للتصميم الجرافيكي وأصبح موضوعًا فنيًا بفضل الشخصيات والتقنيات الجديدة ، وفي بعض الحالات ، كان للكاريزما الشخصية للمصممين تأثيرها.

أفضل 25 مصمم جرافيك:

1. جول شيريت
2. الكسندر رودشينكو
3. إل ليسيتسكي
4. بيت زوارت
5. أدولف مورون كاساندر
6. أليكسي برودوفيتش
7. جان تشيتشولد
8. جوزيف مولر بروكمان
9. اميل رودر
10. ممتاز أيشر
11. هنريك توماشوسكي
12. شعار لوبالين
13. ميلتون جليزر
14. ماسيمو فينيلي
15. كاريل مارتنز
16. يوساكو كاميكورا
17. كويتشي ساتو
18. شيجيو فوكودا
19. كينيا هارا
20. آلان فليتشر
21. أبريل جرايمان
22. رالف شريفوجيل
23. نيكلاوس تروكسلر
24. ديفيد كارسون
25. ستيفان ساجميستر

أسبوع موسكو للتصميم هو مهرجان مخصص للتصميم بجميع مظاهره من الأزياء إلى الهندسة المعمارية. سيجمع الحدث ممثلي السوق في مرحلة واحدة لإنشاء وتعزيز العلاقات التجارية وتبادل الأفكار وإطلاق جديد مشاريع ناجحةوتطوير التصميم في روسيا.

يتحول التصميم الجرافيكي من ثقافة إلى أخرى ، متأثرًا بالتقاليد الثقافية الوطنية والتاريخ وطريقة الحياة. كما هو الحال في الموسيقى والفن ، تختلف جماليات التصميم الجرافيكي من ثقافة إلى أخرى.

يُظهر التصميم الجرافيكي الإسباني حب الإسبان للحفلات والعطلات. لا يلتزم مصممو الجرافيك في أمريكا اللاتينية بالتحيز عندما يتعلق الأمر بالاستخدام الوان براقةوالعناصر المتناقضة.

تُستخدم البساطة أيضًا ، ولكن في الغالب في تصميم الويب - وهي ليست "أضيق الحدود" مثل غيرها. العالم لديه الكثير ليتعلمه من ذوي الأصول الأسبانية. على سبيل المثال ، كيف تأخذ الحياة على محمل الجد والاستمتاع. إنهم يعلموننا أن ندرك التصميم ليس فقط بصريًا ، ولكن بجميع الحواس الست.

الصين

تعد الصين واحدة من أقدم الحضارات ، حيث يعود تاريخها إلى 4000 عام على الأقل. في أوجها ، كانت الصين واحدة من أكثر المجتمعات تقدمًا في العالم ، ولكن بسبب تطور الإمبريالية و الحروب الاهليةبدأ تراجعها. ومع ذلك ، فإن الصين لديها تاريخ فني وأدبي وثقافي خصب.

التصميم الجرافيكي الصيني جديد تمامًا مقارنة بالغرب. في عام 1979 ، أعادت الصين فتح أبوابها للعالم ، مرحبة بالأفكار الجديدة وأحدث التقنيات. تقوم الدولة بحركة بطيئة ولكن ثابتة نحو الديمقراطية ، كونها أكثر ليبرالية تجاه الأفكار الجديدة ، لا سيما في الفن والتصميم.

ازدهرت الصين بقوة إبداعية وقومية واضحة (إن لم يكن بعض الكراهية للأجانب) ، لذلك ليس من المستغرب أن التصميم الجرافيكي الحديث لا يزال يستخدم نفس العناصر التصويرية الموجودة في الفن الصيني التقليدي.

تم استخدام التصميم الجرافيكي في الصين كـ علاج فعالالإرادة السياسية غير الرسمية. كانت وسيلة لتحديد الذات والتعبير عن الذات.

صيني رائع تصميم المواقع

تصميم الويب الصيني مدمن على الفلاش. مواقع الويب من الصين تفاعلية ومرحة للغاية. يتم نسخ بعض العناصر في التصميم الجرافيكي من ثقافات أخرى. في العقد الماضي ، تأثر تصميم الجرافيك الصيني بشدة بالغرب ، لكنه لا يزال يحتفظ بالطاقة والروح الصينية الخاصة به. على سبيل المثال ، يستخدم التصميم رموز فنغ شوي والخط والمهرجانات الثقافية وما إلى ذلك.

اليابان

الفن الياباني المعاصر له أشكال عديدة: الهندسة المعمارية ، والإعلان ، وألعاب الفيديو ، والأنيمي ، والتصميم الجرافيكي. التأثير الياباني في الفن ضخم ، حيث جلب الكثير من الأفكار لتصميم الجرافيك والفن المعاصر بشكل عام. التصميم الجرافيكي الياباني حضري وأصلي. إنها تظهر ألوانًا تشبه النيون ، تحاكي الأضواء التي نراها في الليل في وسط مدينة طوكيو.

يتأثر التصميم الجرافيكي الياباني بشدة بالفن الياباني التقليدي والمانجا.

رائعة اليابانية تصميم المواقع

تصميم الجرافيك الياباني مثير للاهتمام لأنه يختلف اختلافًا جوهريًا عما اعتدنا عليه في الغرب. إنه متنوع للغاية ، مع مزيج من القديم والجديد. من ناحية ، إنه أنيق ومستقبلي وأضيق الحدود للغاية. من ناحية أخرى ، لطيف للغاية ، طفولي وغريب الأطوار.

الشرق الأدنى

يتم تقديم الشرق الأوسط في الغرب على أنه غامض وساحر وصوفي. إنها أرض الرمال والسجاد المتطاير والمصابيح السحرية ، وهي صورة لم يزرها معظمنا إلا في أحلامنا. الشرق الأوسط متناقض - هذه الثقافة تثريها واحدة من أقدم الثقافات وأكثرها شمولاً الفنون الجميلةفي تاريخ يعود إلى آلاف السنين.

ومع ذلك ، فإن التصميم الجرافيكي في الشرق الأوسط حديث العهد. النضال من أجل العالم العربي مستمر: هنا فنان حر ليس كذلك أفضل طريقةلكسب لقمة العيش ، فإن الحكومة ليست داعمة للغاية ، ولا يوجد سوى عدد قليل من مدارس التصميم الجرافيكي في المنطقة.

تصميم الجرافيك الشرق أوسطي ساحر بقدر ما هو صوفي. هناك تأثير قوي للخط القديم والنص العربي ، ونسخ الأشكال والأنماط.

ينفتح الشرق الأوسط ببطء على ثقافة "المجتمع الاستهلاكي" الغربي. يحب العرب ذهبهم - ويمكن رؤية هذا المودة بوضوح في التصميم.

مثل بقية العالم ، أصيب عالم الشرق الأوسط بالفيروس البسيط ، لكنه لا يزال يحتفظ بأجواء الشرق الأوسط التي نعرفها جميعًا.

فاخر في الشرق الأوسط تصميم المواقع

تصميم الشرق الأوسط غني بالألوان والثقافة. مثل البلدان الآسيوية الأخرى ، يحتفل الشرق الأوسط بالرموز الجميلة والخط. في بعض المناطق ، لا تزال المنطقة محافظة بشأن العديد من القضايا.

على سبيل المثال ، يحتاجون إلى الانفتاح على الأفكار المستقلة ، ومصممي الجرافيك ، وما إلى ذلك. ومع ذلك ، فإن هذه المنطقة هي نقطة ساخنة للأفكار الجديدة والمختلطة. لقد تبنوا الكثير من أفكار التصميم الغربي لكنهم احتفظوا بالتفرد الذي يجعلهم مختلفين عن الآخرين.

هولندا

هولندا دولة ناطقة بالهولندية تقع في شمال غرب أوروبا ، تحدها بلجيكا من الجنوب وألمانيا من الشرق. هولندا بلد صغير ، لكنها موطن لأعظم سادة في التاريخ: رامبرانت ، وفان جوخ ، وفان إيك ، وموندريان ، وفان دويسبرج.

يميل تصميم الجرافيك الهولندي نحو الفردية ، إن لم يكن الأناركية. إنها تفضل الحلول النظيفة والبسيطة - ولكن هنا ولدت حركة "De Sale" ، التي سبقت التقليلية. ينجذب الهولنديون نحو الفن المفاهيمي والمواضيع المعاصرة. يتم تقدير البساطة ، و "عدم التصميم" هو استراتيجية تصميم شائعة.

غالبًا ما يرسم المصممون الهولنديون من الناحية المفاهيمية. أحد المفضلين لدي هو المصمم الجرافيكي الهولندي الشاب فيكتور فان جاسبيك ، الذي يتميز بعمله الهولندي بشكل نموذجي ، وحديث ، ولكن مع عناصر طبيعية وطبيعية.

جراند داتش تصميم المواقع

تحدد هولندا والدول المجاورة لها اتجاهات عندما يتعلق الأمر بالرسومات وتصميم الويب. فنهم مثالي ومفاهيمي وأنيق. هذا لا يعني أنه جاد تمامًا وخاضع للتبسيط - تصميم هولندييمكن أن تكون مرحة.

ربما بسبب الدعم المالي القوي للفنون من الحكومة ، أو بسبب الاقتصاد المتقدم للبلد ، أو ربما بسبب جذب السكان المحليين للفنون ، يعد تصميم الجرافيك الهولندي من بين أكثر التصميمات تقدمًا في العالم.

خاتمة

نظرًا لأن الثقافات المختلفة لها ماضٍ وحاضر مختلف ، فلدينا تجارب ومعتقدات وأعراف مختلفة. نرى العالم من زاوية مختلفة قليلاً. يمتلك مصممو الجرافيك في جميع أنحاء العالم مناهجهم الخاصة في الفن. بغض النظر ، يبقى شيء واحد لا يمكن إنكاره: التصميم الجيد سيكون دائمًا تصميمًا جيدًا.

حتى لو لم نفهم المعنى والرموز والخط المستخدم ، يمكننا التمييز بين التصميم الجيد والسيئ. فهم الفن موجود خارج الثقافة و الحدود الجغرافية؛ وهو أكثر من مجموع ثقافتنا ومعتقداتنا. فهم التصميم هو شعور عالمي وعالمي يشعر به الجميع ، بغض النظر عن لون البشرة أو الجنسية.

هذا أحد تلك الأسئلة التي تعتبر بسيطة جدًا ومن الصعب جدًا الإجابة عليها. فقط لأن السؤال لا يبدو على هذا النحو ، دعنا نقول: "ما المواهب الشابة التي قد تعتبرها جديرة بالاهتمام؟" ، ولكن بالضبط "من يعتبر" ، وحتى "ناجح" ، وبالتحديد "في القرن الحادي والعشرين". أولئك. هذا سؤال حول الأشخاص الناجحين بشكل موضوعي اليوم. إذا لم نجد خطأً في مفهوم "النجاح" حتى الآن (حسنًا ، دعنا نقول إنه "الشهرة والمال" أو ، ببساطة ، التمثيل الإعلامي والمشاريع / العملاء المهمين) ، فإننا نعتبر هؤلاء الذين تم الاعتراف بهم على هذا النحو من قبل مجتمعات الخبراء ناجحين. لم أر حتى الآن تقييمات بناءً على تقييمات العملاء ، لأنهم لا يتعاملون مع عينة كافية ولا يسترشدون بالمعايير المهنية الداخلية. أي أن أفضل المصممين هم أولئك الذين سيتم استدعاؤهم من قبل المصممين الآخرين. حسنًا ، مثل ، تلقى نظيرًا لـ "جائزة الأكاديمية" أو شيء من هذا القبيل.

على سبيل المثال ، قبل عامين ، احتفالًا بالذكرى الخمسين لتأسيسها ، نشرت المجلة الأمريكية Graphic Design (GD USA) تصنيفًا لـ "الأكثر" في مهنتنا. يحتوي الرابط إلى مدونتي () مع هذه الأخبار على تعليقات لن أذكرها هنا مرة أخرى. التصنيف يمكن التنبؤ به لمجلة أمريكية ، وأكثر من ذلك من مجموعة الأسماء. صحيح ، هناك الكثير من العينات التعسفية تمامًا التي تتداخل مع أشخاص مختلفين لدرجة أنك تتساءل عن كيفية توافقهم في إطار معايير موحدة ، ولكن هذا يقع على ضمير "المحررين المحترمين".

ولكن ، بالطبع ، فإن التصنيف المحترم لـ AIGA أو مجلة DG المذكورة هو مزيج من معظم أعضاء "الفريق العالمي" الذين يعيشون (يعيشون) في الولايات المتحدة أو في البلدان الأخرى الناطقة بالإنجليزية: النمساوي ستيفان ساجميستر ، أو الإيطالي ماسيمو فينيلي ، أو البريطاني إيفان تشيرمايف من أصول روسية. يمكنك العثور على عبقرية "الطباعة الجديدة" جان تشيتشولد ، والبطريرك الحي لمدرسة نيويورك ميلتون جلاسر ، إلخ. إلخ. يرجى الرجوع إلى المصدر الأصلي.

ومع ذلك ، لا أعرف كيف أن التواجد في هذه القائمة للأشخاص الذين تزيد أعمارهم عن 70 عامًا ، أو حتى أكثر من 80 عامًا ، يرتبط بتوقعات مؤلف السؤال حول "في القرن الحادي والعشرين" ، لكنني أؤكد لكم أنه في قرننا على الأقل لن تُنسى أسماء هؤلاء الأساتذة ، لأن نموذجهم للإبداع صمد أمام أي اختبار يمكن تصوره. هذه أيضًا إجابة الجزء الثاني من السؤال ("من الذي تحبه شخصيًا"). تفضيلاتي تتماشى مع الاتجاه المهني السائد. نبيذ قديم وشيخوخة طويلة ... In مسار الحياةيمكن استلهام "المصممين العظماء" من أولئك الذين يبحثون عن قصص ناجحة وأولئك الذين ينجذبون للتصميم كشكل فني (بمعنى بعض النشاط الذي لا تستهلكه التجارة بالكامل).

الملاحظة الأخيرة هي مفتاح المشكلة التي تجعل هذا الموضوع ليس من السهل تغطيته فحسب ، بل في نفس الوقت معقد. التصميم (مثل أي ممارسة اجتماعية) لا يخضع لتعريف لا لبس فيه. بالإضافة إلى الفن ، الذي إما أن التصميم يعارضه أو يتم تحديده كحالة معينة من فنه. لذلك ، لا يمكن لأي تصنيف أن يرضي الجميع ويمكن اعتباره واضحًا وموضوعيًا. ستظل معايير الاختيار إشكالية وليست جامدة. ناهيك عن المعتاد "ومن هم القضاة؟" أي توبيخ "التمركز الأمريكي" المفرط للتصنيف ، أو على العكس من ذلك ، في حالات أخرى ، التوجه نحو "الخطاب" الهولندي أو السويسري حول التصميم على سبيل المثال.

في هذا الصدد ، ألاحظ: هناك رأي مفاده أنه في وضعنا "ما بعد الحداثة" لا توجد نجوم بالمعنى القديم (ليس مخلوقات إنتاج ليوم واحد ، ولكن شخصيات مؤثرة على المدى الطويل) في أي مجال إبداعي. أعتقد أنه من ناحية ، لم تكن النجوم هي التي خرجت ، لكن "السماء" نفسها تغيرت. ظاهرة الضوء على الضوء. حيث يكون ضوء السماء عبارة عن وفرة في المعلومات. لم يعد العالم مستعدًا لتصور المحترفين الذين يتمتعون بالسلطة في مجالهم على أنهم تقريبًا أنبياء ، وسلطات لها وجهة نظر في كل شيء في العالم ، وكل كلمة يتم التقاطها بفارغ الصبر من قبل الصحافة. لم يعد الشاعر "أكثر من شاعر". وهو يمنح الأمل بطريقة ما. قال تشيب كيد (مصمم أمريكي ، تم تضمينه أيضًا في تصنيف GD USA) إن "المصمم الشهير مثل السباك الشهير." هذا ، بالطبع ، هناك حرفيون يحظون بالاحترام بشكل خاص في مجتمعهم المهني ليحلوا محل الخلاط أو إصلاح التسرب ، لكن من غير المرجح أن يُطرح عليهم أسئلة تتعلق بالسياسة أو الأخلاق أو مصير البشرية أو تربية الأطفال.

لماذا المصممون ، حتى أولئك الذين (مثل كيد نفسه) معروفين علنًا ، يعتبرون السلطات في شيء آخر غير التصميم نفسه؟ ما الذي يجعل المصمم مشهورًا ، وبالتالي ، فقط ، "الأفضل"؟ بعد كل شيء ، هذه مهنة خدمة ، مهارة "الاتصال المرئي" ، "هندسة المعلومات" (E. Shpikerman) ولا شيء أكثر من ذلك. أفضل مصمم يقوم بعمل جيد طوال الوقت تقريبًا. في بعض الأحيان الأصلي بشكل غير متوقع. ولكن ، على عكس العالم أو السياسي ، لا يفعل شيئًا سوى زيادة مبيعات المياه المحلاة أو الرقائق. وحتى ذلك الحين ، من بين أعضاء الفريق الآخرين (المسوقين والمهندسين ، إلخ). نعم ، هناك بالتأكيد مهن "تطبيقية" حيث "تعتبر مشهورة" يمكن أن تحظى باعتراف عام حقيقي. من المرجح أن يتفوق الجراح الذي زرع رأس مريض لأول مرة على فني أسنان يتمتع بنفس المهارة في التصنيف. خير الاخوة في المهنة. لكن هل هذا القياس ممكن فيما يتعلق بالسؤال قيد الدراسة؟

لاحظ أن "نجوم موسيقى الروك" في التصميم هم عادةً إما أولئك الذين يشاركون ، بما في ذلك المشاريع غير التجارية ، أو التنكر في صورة الفن المعاصر (Sagmeister) ، أو الترويج لـ "علامتهم التجارية" الشخصية على غرار مصممي الأزياء (Brody) ، أو بنشاط والكثير من التنظير والكتابة (بيروت ، كارسون أو قبل Vignelli ، Munari ، Rand ، إلخ). أولئك. هؤلاء هم أولئك الذين أصبحوا "رواد اتجاهات" ليس بسبب الطلب وجودة خدماتهم كثيرًا ، ولكنهم جذبوا الانتباه من خلال أنشطتهم العامة "حول" التصميم. بقدر ما أفهم ، فإن "ثقل" هذا أو ذاك "المصمم العظيم" في المجتمع ، كقاعدة عامة ، لا يعتمد على "حساب هامبورغ" (مصطلح ف.شكلوفسكي) ، أي من "مهارته" كمجموعة من الإنجازات الرياضية ، و "أصالة الأسلوب" ، وما إلى ذلك ، ولكن من أهمية انعكاساته المهنية ، والقدرة على الإشارة ، أو العكس ، إشكالية الطرق مزيد من التطويرالمهن… تقدم موسيقى الروك تشبيهًا جيدًا هنا. كم عدد الموهوبين في الجيتار الذين لم يتم تضمينهم في تصنيفات RollingStone ، لأنهم ، أثناء العزف ، لم يغنوا ، أو لم يؤلفوا موسيقاهم الخاصة ، أو لم يفسروا موسيقى شخص آخر بطريقة "تم الاستيلاء عليها" ، كما لو كانت "مسروقة" (بيكاسو). فعازف الجيتار هو ، بعد كل شيء ، نفس "مصمم الأداء". وهيندريكس ، بي بي كينغ ، كلابتون؟ من هؤلاء؟ هم عن طريق القياس مع "المخرج الفني" ، "الموضة" ، إلخ.

لذلك ، يمكنك قول ذلك. تتحد جميع الأسماء المدرجة في التصنيف (على الرغم من وجود فئات منفصلة في قائمة GD USA) للمصممين من خلال حقيقة أنهم ليسوا "مصممين" (أي "فناني الأداء"). إنهم على وجه التحديد "مديرو فن" ، أي الأشخاص الذين يقودون المشاريع ، حيث يتم توظيف العديد منهم كـ "ملحنين" (أو "كتاب سيناريو" / "منتجين") ، أو "مدربين يلعبون". ربما لا يعرف Sagmeister الكثير مما يفعله فرد من فريقه في مشروع معين. ومع ذلك ، فإن مهارة المشغل أو الممثل في السينما ليست دائمًا ميزة المخرج. يختلف التصميم عن الفن (بما في ذلك) ليس فقط من خلال الطابع الجماهيري للاستئناف (الاستنساخ الميكانيكي لبنيامين) ، ولكن على وجه التحديد من خلال عدم الكشف عن الهوية (أي أنه ليس له طابع "مؤلف" ، بل ذو طابع قيادي) من الاستئناف. لم يتم توقيع الشعارات واللوحات الإعلانية من قبل المبدعين. تناشد العلامة التجارية العامة أو الدولة أو منظمة عامة. لا يمكن أن يكون المعروف خارج المجتمع الضيق من المحترفين سوى بيان المؤلف والشخصي.

لقد حدث أن الفن يتعامل مع تفرد الأصل والجاذبية الجماهيرية المنخفضة (على الرغم من أن كل شيء يتغير في عصر الوسائط الجديدة) ، مع درجة عالية من مظاهر إيماءة المؤلف. التصميم هو عكس ذلك. نعم ، كل من التصميم والفن ممارسات إبداعية بالتعريف. لكن هذا لا يكفي لتوقع هالة من "الشهرة" تلقائيًا من المصمم. يركز الفن بشكل أساسي على صياغة القضايا المهمة اجتماعيًا (أي أنه يجذب الاهتمام بشكل متعمد بعد ذلك الجمهور المستهدف) ، وعادة ما يكون التصميم رسالة قيمة تجارية (وبالتالي محلية) لا لبس فيها تعطي "إجابات" (ماذا وأين ولماذا تشتري). وهذا لا ينطبق فقط على إعلانات "البيع" ، ولكن أيضًا على "إعلام" التصميم على هذا النحو.

نحن نكمل سلسلة من المقابلات المخصصة لمصير التصميم الجرافيكي الروسي ، تاريخه الحديث في الأشخاص. إن أبطالها ، كونهم شخصيات بارزة من مشهد التصميم الروسي ، لم يمثلوا إبداعهم الخاص فقط ، ولكن أيضًا أجيالهم ، بنشاط وعمل ناجح اليوم في المهنة.

عُرض على الجيل الأكبر سناً ، المصممون المولودون في الثلاثينيات والأربعينيات من القرن الماضي ، مقابلة مع (1938) ، الذي وصفه العظيم ماسيمو فينيلي بأنه أفضل مصمم كتب في العالم. لكن خلفه ، أو بالأحرى ، بجانبه - مجموعة كاملة من الأسماء الرائعة. إفيم تسفيك (1935-2005) ، نيكولاي كالينين (1937) ، أركادي ترويانكر (1937) ، فاليري أكوبوف (1938) ، يولي بيريفيزينتسيف (1938) ، نيكولاي بوبوف (1938) ، ألكسندر شوميلين (1938-2007) ، بوريس تروفيموف (1940) ، ماكسيم جوكوف (1943) ، مكسيم جوكوف (1943) ) ، أندري كوستين (1947-2000) ، فاليري فاسيليف (1949). كلهم فائزون مسابقات دوليةالفائزين بأعلى الجوائز في أرقى العروض المهنية في العالم.

أركادي ترويانكر

IPEK - ميخائيل أنيكس

لقد عرفتهم منذ فترة طويلة ، إنهم جميعًا من كبار رفاقي وأصدقائي. لكنني لا أتوقف أبدًا عن الاندهاش لطاقتهم التي لا تنضب ، وحماسهم غير المفهوم ، وموهبتهم البراقة. من مقابلة مع Mikhail Anikst ، يتضح من أين تأتي هذه القوة الإبداعية. من أيامهم الطلابية ، الشباب. إنهم جميعًا ، في جوهرهم ، "الستينيات" ، وكان تطورهم الإبداعي هو عصر "الذوبان" ، ووقت التحول إلى العالم الحديثوإبداعهم. بعد عقود من الخوف والرعب ، كان مجرد فك البراغي وفتح الستار الحديدي قليلاً كافياً لحدوث تحول تكتوني ، وظهر جيل مذهل. طاقة الحياة، التي ظلت رائدة في الثقافة لسنوات عديدة. في التصميم الجرافيكي ، كان هذا الجيل في طليعة المهنة في الستينيات والسبعينيات والثمانينيات. وحتى يومنا هذا ، لا يزال الأمر ذا صلة ويتمتع باحترام وسلطة لا يصدقان. هذا جيل من العمالقة ، الأبطال الذين أصبحوا مصممين ليس بسبب كل الظروف ، ولكن على الرغم من كل الظروف.

بوريس تروفيموف

يمكن وصف ذلك الوقت بقول مأثور متناقض: لم يكن لدينا تصميم ، لكن كان هناك مصممين. كانت هناك أسماء تصميم يعرفها العالم المهني بأكمله ، وتصميمها كجزء مرغوب فيه من الاقتصاد والثقافة و الحياة العامة- لا. لم تكن هناك حتى كلمة من هذا القبيل. الصناعية ، تصميم الكائن كان يسمى "التصميم الفني". نظرية التصميم - "الجماليات التقنية". وبدلاً من "التصميم الجرافيكي" ، كانت هناك العديد من التعبيرات الملطفة السوفيتية في آنٍ واحد. في السياق الصناعي ، تمت الإشارة إلى التصميم الجرافيكي باسم "الرسومات الصناعية" ، والمختصر باسم "الرسومات الصناعية". في اتحاد الفنانين ، كان الاسم المستعار لتصميم الجرافيك هو "الرسومات التطبيقية". في معهد البوليغرافيك ، حيث شاركوا في تصميم كتب النخبة ، أطلق عليه "KhTOPP" - "التصميم الفني والتقني للمواد المطبوعة" ، في Stroganovka كان هناك بناء لفظي آخر: "الرسومات الصناعية والتغليف" ، إلخ.

بوريس تروفيموف

فلاديمير تشايكا

الجيل المتوسط ​​هو الحالي في سن 40-50 سنة. تم تقديمه في مجلتي (1967) و (1964). ألمع الشخصيات في هذا الجيل هم سفيتلانا (1952) وألكساندر (1953) فالدينز ، يوري بوكسر (1953-2002) ، فلاديمير تشايكا (1955) ، أندري شليوتو (1960) ، إلينا كيتايفا (1960) ، يوري سوركوف (1961) ، أناتولي جوسيف (1963) ، إيفجيني كورنوف (1) كين كاجاروف (1966) ، سيرجي كوزافسكي (1966) ، بيتر بانكوف (1969).

إيغور جوروفيتش

بدأ هذا الجيل في إظهار نفسه في أواخر الثمانينيات ، لكنه ظهر بالكامل في التسعينيات ، والذي أصبح وقت انطلاقهم ، عندما كان هناك تحقيق غير متوقع لتصميم الرسوم. كان هو الذي كان مطلوبًا بشكل أساسي من قبل اقتصاد السوق الناشئ. أعلن مئات الآلاف من الأشخاص الجدد للنشاط الاقتصادي والاجتماعي عن ولادتهم بمساعدة الشعارات والهوية المؤسسية والإعلانات وغيرها من سمات النشاط الحضاري. بدأ تصميم الجرافيك في أن يصبح أكثر تخصصات التصميم شيوعًا أمام أعيننا ، وتحول فجأة إلى مهنة عصرية ومرموقة.

أتاحت الحوسبة الهائلة للمهنة ، بالتزامن مع التغيرات الاجتماعية والازدهار التجاري ، للمصممين فرصًا جديدة تمامًا وغير مسبوقة ، وحررتهم من القيود التقنية السابقة. لكن بالنسبة للمبتدئين الذين تدفقوا على هذا المجال ، أصبحت حرية الكمبيوتر إغراءًا لا يقاوم للتساهل ، والتحرر من الثقافة المهنيةشيئًا فشيئًا تراكمت في الجيل السابق.

أندري لوجفين

ايلينا كيتايفا

وفي الظروف الجديدة ، كان من الممكن أن تصبح مصممًا حقيقيًا ، وأستاذًا من الطراز العالمي "ليس بفضل ، ولكن على الرغم من". كان على هذا الجيل أن يدرك أن مهنة المصمم سهلة وممتعة ، ولكنها في نفس الوقت صعبة ومغرية وخطيرة ، لأنه هنا أصبح من السهل جدًا الانزلاق إلى الفساد والذوق السيئ والابتذال. يسعى أبطال هذا الجيل للحفاظ على المعنى الثقافي الإبداعي للمهنة كخدمة ، مع التركيز على الصوت الداخلي للضمير المهني والحكم الصارم لزملائهم. لقد تلقوا هذه الخميرة من أسياد الجيل الأكبر سناً ، بعد أن تمكنوا من اللحاق بالعصور الرومانسية القديمة.

إركين كاجاروف

أندريه شيليوتو

كما يتضح من المقابلة مع و ، فهم يسعون ليس فقط لحل المهام اللحظية ، ولكن في كل مرة يضعون فيها مهامًا فائقة لأنفسهم ، ويرفعون من المستوى المهني ، وينعكسون في أعمالهم على الدور الثقافي للمهنة ، ومكانهم فيها ، وخصائص التصميم الوطني.

تم تقديم مقابلات مع الشباب الذين تتراوح أعمارهم بين 20 و 30 عامًا مع Proteus Temen (1984) و (1974). بجانبهم ، لا يزال بإمكانك وضع آنا نوموفا (1973) وديمتري زاخاروف (1975) وأناستاسيا (1980) وألكسندرا (1982) فالدين. وفي الوقت الحالي ، ربما يكون هذا كل شيء ، إذا تحدثنا عن الأسماء التي تمثل روسيا على المسرح الاحترافي العالمي ، عن الفائزين بالمسابقات الدولية. لقد حصل أبطال هذا الجيل على جوائز عالمية أقل بشكل ملحوظ حتى الآن. والأسماء المعروفة نفسها أقل بكثير هنا.

وهذا على الرغم من عدم ملاحظة أي شيء مثل ضعف الطلب على مصممي الجرافيك. والعكس صحيح. لقد تجاوز عدد مؤسسات التعليم العالي التي تصدر دبلومات التصميم الجرافيكي في بلدنا بالفعل مائتين ونصف. من الضروري هنا إضافة المزيد من التخصصات المرتبطة به أو المتقاطعة معه ، مثل "تصميم الويب" ، "تصميم التلفزيون" ، "تصميم الوسائط" ، "تصميم الكمبيوتر" ، "التصميم الإعلاني" ، إلخ. واليوم ، أصبح التصميم الجرافيكي ، مع فريق من تخصصات التصميم ذات الصلة ، القائد الواضح لثقافة التصميم.

تغيير القائد الذي حدث هو اتجاه عالمي مجتمع المعلومات. يتحول الدور الثقافي الرائد من التصميم الصناعي ، والعمل مع اللوحة التكنولوجية للإنتاج الصناعي الشامل ، إلى أنواع أكثر قدرة على الحركة ، وحرية ، وخفيفة ، وأقل جذورًا في الظروف التكنولوجيةإِبداع. يأتي التصميم الجرافيكي في المرتبة الأولى بينهم. عززت إعادة تجهيز الكمبيوتر للقاعدة التكنولوجية للتصميم هذه الصفات من الخفة والحرية والاستقلالية ، والتعامل المعتاد للصور والمعلومات لتصميم الجرافيك هو الأنسب لاحتياجات مجتمع المعلومات.

كان التصميم الجرافيكي أول من قبل تحدي الوقت المرتبط بالحوسبة الكاملة لجميع مجالات المجتمع ما بعد الصناعي ، وخرج إلى العلن الفضاء الافتراضي"مجرة ما بعد جوتنبرج". تسمح له جودته الأخرى وقدرته الشاملة على الاختراق بالعيش في بيئات الوسائط المتعددة الافتراضية بالتفصيل وثقافة الشاشة الرئيسية وابتكارات المعلومات.

يشعر الجيل الأصغر من المصممين بالحزن على الأوقات الرومانسية للمهنة ، ويشتبهون في أن زمن الأبطال أصبح شيئًا من الماضي. لكن مع كل نشاطه الإبداعي يثبت أن الأمر ليس كذلك.

كونه مصمم الصليب الثقيل. لكن أي دعوة حقيقية هي صليب. وهكذا دائمًا وفي كل مكان ، ليس فقط في بلدنا. لكن خاصة في بلدنا.

لقد أكملنا سلسلة من المقابلات ، لكن هذا لا يعني أنه لن تكون هناك مواد أخرى حول مصممي الجرافيك لدينا من الأجيال المختلفة. من خلال هذه السلسلة ، حددنا فقط المجالات الرئيسية للاهتمام في التصميم الجرافيكي - إنجازات أسيادنا في السياق الدولي ، والتصميم الجرافيكي كنشاط لتشكيل النمط الذي يشكل المشهد المرئي للبلد والعالم ، باعتباره الفن الأكثر صلة في عصرنا.

ميلتون جلاسر عام 1974. الصورة: © Cosmos Sarchiapone

على الرغم من تقدمه في السن ، لا يزال ميلتون جلاسر مبدعًا. هو الذي أعطى للعالم مجلة New York Magazine ، والملصق المخدر الشهير الذي يظهر بوب ديلان ، والهوية المؤسسية لمصنع Brooklyn Brewery ، وبالطبع الرمز الدائم لنيويورك - شعار I love New York.

الآن في الثمانينيات من عمره ، يعيش ميلتون جلاسر في مانهاتن ، وعلى الرغم من تقاعد الكثيرين بالفعل في ذلك العمر ، إلا أنه يدير استوديو التصميم الخاص به ، وهو على قدم وساق. مثل سنوات عديدة مضت ، استمر في رسم الملصقات وإنشاء الشعارات وتطوير هويات الشركة. بالإضافة إلى الممارسة ، يشارك جلاسر أيضًا في النظرية: فهو يحاضر في الجامعات ، ويكتب مقالات ومناقشات نظرية حول العلاقة بين التصميم والفن وتأثيرهما على بعضهما البعض ، وحول مهنة المصمم وتعقيدات العملية الإبداعية.

تم إنشاء الشعار في عام 1977.

الطفولة والتعلم

ولد ميلتون جلاسر في 26 يونيو 1929 في نيويورك لعائلة يهودية من أصول مجرية. عندما كان ميلتون في الخامسة من عمره ، رسم ابن عمه حصانًا أمامه - عندها أدرك جلاسر القوة الكاملة لفن الجرافيك. لأول مرة رأى شخصًا يرسم شيئًا موجودًا بالفعل. كان يعتقد أنه من الممكن إنشاء عالم كامل بحركة بسيطة من قلم رصاص. هذا الشعور الحماسي لا يتركه طوال حياته.

في سن السابعة عشرة ، أثبت جلاسر نفسه في رغبته في أن يصبح فنانًا. عندها أدرك أن الهدف الحقيقي للفن هو جعلنا منتبهين. الفن يساعدنا على البقاء. في مقابلة مع مجلة Smashing ، قال جلاسر إنه كان جالسًا على طاولة المطبخ في ذلك الوقت وفجأة قرر رسم صورة لوالدته. في تلك اللحظة ، أدرك أنه لا يعرف كيف تبدو. فقط عندما قرر رسم والدته أصبح مهتمًا بمظهرها.

درس جليزر في مدرسة مانهاتن الثانوية للموسيقى والفنون ، ثم في عام 1951 تخرج من اتحاد كوبر لتقدم العلوم والفنون في نيويورك أكاديميا دي بيل أرتي دي بولونيا في إطار برنامج فولبرايت للمنح الدراسية: هناك درس في صف الرسام الإيطالي جورجيو موراندي (جورجيو موراندي).

استوديوهات Push Pin

في عام 1954 ، أسس جليزر استوديوهات Push Pin مع أصدقاء الكلية رينولد رافينز وسيمور تشواست وإدوارد سوريل. جاء سوريل وتشواست بفكرة بدء شركتهما الخاصة بعد طردهما من مجلة Esquire في نفس اليوم. بأموالهم الأخيرة ، استأجروا غرفة مظلمة ورطبة في شارع 17 شرق في مانهاتن. بعد بضعة أشهر ، عاد جلاسر من إيطاليا وانضم إلى الاستوديو. لمدة عشرين عامًا ، أدار جلاسر وسيمور ورشة عمل كان لها تأثير كبير على تطوير التصميم الجرافيكي في جميع أنحاء العالم.

كانت لحظة الذروة لاستوديوهات Push Pin هي معرض The Push Pin Style في متحف اللوفر: في 1970-1972 ، سافرت ، بالإضافة إلى باريس ، إلى مدن أخرى في أوروبا والبرازيل واليابان.

لا تزال Push Pin Studios موجودة ، الآن فقط المدير الوحيدهو سيمور تشواست.

في عام 1967 ، ابتكر ميلتون جلاسر ، الذي يعمل في استوديوهات Push Pin ، صورة مخدرة لبوب ديلان ، والتي تم استخدامها لاحقًا لتصميم أكبر مجموعة أغاني المغني.

مجلة نيويورك

في عام 1968 ، شارك جلاسر في تأسيس مجلة نيويورك مع كلاي فيلكر. شغل جلاسر منصب رئيس الشركة ومدير التصميم حتى عام 1977. في البداية ، تم إنشاء المجلة كنوع من بديل لمجلة نيويوركر الموجودة بالفعل. اتضح أنه صارخ ومباشر وأصبح جزءًا مما يسمى بالصحافة الجديدة - وهو اتجاه في الصحافة الأمريكية في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي. أصبحت هذه الطبعة أيقونة لمجلة المدينة وأنتجت سلسلة كاملة من التقليد.

لمدة ست أو سبع سنوات ، كتب جلاسر وجيروم سنايدر The Underground Gourmet ، وهو دليل لمطاعم نيويورك الرخيصة. في البداية ، كان مجرد عمود في مجلة نيويورك. كان الجميع فضوليين حول مكان تناول الطعام اللذيذ بثمن بخس ، لذلك أصبح العمود مشهورًا لدرجة أنه كان لا بد من نشر كتاب كامل.

والتر برنارد وميلتون جلاسر

WBMG

في عام 1983 ، أسس جلاسر WBMG مع والتر برنارد. كانت شركة تصميم صغيرة تتعامل معها نشر. خلال فترة وجودهم ، قاموا بتصميم أكثر من خمسين مجلة وصحيفة ودورية أخرى حول العالم ، بالإضافة إلى إعادة تصميم الصحف الشهيرة مثل American The Washington Post و Catalan La Vanguardia و Brazil O Globo.

شركة ميلتون جلاسر الفن عمل

في عام 1974 ، أسس جلاسر الاستوديو الخاص به ، ميلتون جلاسر ، في مانهاتن. التي لا تزال تعمل حتى اليوم. بالإضافة إلى Glazer نفسه ، يضم الاستوديو مصممين آخرين: Sue Walsh و Jee-eun Lee. تؤثر أنشطة الشركة على جميع مجالات التصميم تقريبًا - من إنشاء الشعارات إلى التصميم الداخلي. في مجال الرسومات المطبوعة ، يتطور الاستوديو هوية الشركة، والتي تشمل الشعارات والورق ذي الرأسية والكتيبات واللافتات والتقارير السنوية. في مجال التصميم الداخلي والبيئي ، يطورون المفاهيم ويوجهون إنشاء مختلف المنتجات والديكورات الداخلية والخارجية للمطاعم ومراكز التسوق والفنادق وغيرها من أماكن البيع بالتجزئة والتجارية.

© ميلتون جلاسر
شعار Brooklys Brewery. © ميلتون جلاسر
شعار مجلة نيويورك. © ميلتون جلاسر
شعار شركة البذور. © ميلتون جلاسر
شعار Tomato Records. © 1978 ميلتون جلاسر
شعار الملائكة في أمريكا. © ميلتون جلاسر
شعار DC Comics. © 1977 ميلتون جلاسر
شعار مسرح مدرسة الفنون البصرية. © ميلتون جلاسر
© ميلتون جلاسر
© ميلتون جلاسر
© ميلتون جلاسر

"يعد إنشاء الشعار أحد أكثر الوظائف الملل بالنسبة للمصمم. هناك أشياء كثيرة أكثر إثارة للاهتمام ".يُطلق على ميلتون جلاسر لقب مصمم الشعارات الأكثر إنتاجًا في العالم. في الواقع ، تمكن عدد قليل من الناس من رسم الكثير من العلامات التي لا تنسى. يقول الأمريكي في مقابلة مع مجلة Smashing: "الحديث عن الشعارات ممل للغاية". "أنت تعرف لماذا يتحدث الجميع عنهم: إنهم يجلبون المال."

الشعار الأكثر نسخًا في العالم

بالتأكيد الأكثر شعار مشهوريعتبر جلاسر أنني أحب نيويورك ، التي أنشأها في منتصف السبعينيات من القرن الماضي حملة إعلانيةتنمية السياحة في نيويورك. يتكون الشعار من حرف I كبير ، ورمز قلب أحمر ، والأحرف الكبيرة NY ، وهي اختصار لـ New York. الحروف مكتوبة بآلة كاتبة أمريكية بلا سيريف.

رسم الشعار الأصلي

في عام 1977 ، طلبت وزارة التجارة بولاية نيويورك من وكالة إعلانات Wells Rich Greene تطوير حملة تسويقية لولاية نيويورك. تم إحضار ميلتون جلاسر أيضًا للعمل في المشروع. ومن المثير للاهتمام ، أن جلاسر رسم أنا أحب نيويورك على أساس تطوعي (أي مجانًا) ، معتقدًا أن الحملة ستستمر شهرين فقط وستختفي دون أي أثر. لكن الشعار أصبح شائعًا جدًا لدرجة أنه أصبح في كل مكان ، حيث أطلق الكثيرون على شعار I love NY الشعار الأكثر نجاحًا في تاريخ تصميم الجرافيك.

اكتسب الشعار أهمية خاصة بعد أحداث 11 سبتمبر ، مما أدى إلى بروح روح الوحدة والمساعدة المتبادلة بين سكان المدينة. ارتدى العديد من زوار المدينة قمصان أحب نيويورك للتعبير عن دعمهم لجميع ضحايا الهجوم الإرهابي.

بعد أيام قليلة من أحداث الحادي عشر من سبتمبر ، استيقظ جلاسر وأدرك أن شعاره لم يعد ما يحتاجه سكان المدينة. تغيرت مشاعره تجاه المدينة وكان لابد من تغيير الشعار أيضًا. لذلك كانت هناك نسخة جديدة من الشعار بكلمات أحب نيويورك أكثر من أي وقت مضى ( "أحب نيويورك أكثر من أي وقت مضى") مع بقعة سوداء صغيرة على قلب أحمر. إن موقع هذه المنطقة السوداء ليس عرضيًا: إنه يشير إلى المكان على خريطة نيويورك حيث كان يقع مركز التجارة العالمي.

طلب جليزر المساعدة في الإنشاء نسخة جديدةشعار لمدرسة الفنون البصرية. اتصل بصديقه سيلاس رودس وقال إن لديه فكرة: أراد طباعة ملصقات ووضعها في مترو الأنفاق. ونتيجة لذلك ، تم طباعة خمسة آلاف ملصق ، ولصقها الطلاب في جميع أنحاء المدينة. وهكذا ، يمكن رؤية هذا الملصق من كل نافذة تقريبًا في المدينة ، مما زاد من حشد السكان.

أصبح الشعار رمزًا لثقافة البوب ​​ولا يزال يُستخدم في كل مكان بدءًا من الأكواب والقمصان التي تحمل طابع نيويورك وحتى اللافتات كبيرة الحجم. تحاول نيويورك الاحتفاظ بحقوق النشر على الشعار ، ولكن اعتبارًا من عام 2005 ، تم تسجيل حوالي ثلاثة آلاف حقيقة من حقائق التقليد.

يصف جلاسر كيف رسم شعار المقعد الخلفي لسيارة أجرة في نيويورك: "كنت متحمسًا. كان هناك شعور بالحتمية في فكرتي. كان الشكل والمحتوى متحدان لدرجة أنه كان من المستحيل فصل أحدهما عن الآخر. لا يزال Glazer لا يفهم لماذا أصبح هذا الشعار مشهورًا جدًا ليس فقط في نيويورك ، ولكن في جميع أنحاء العالم.

التصميم كفن

ظهرت أعمال ميلتون جلاسر في العديد من المعارض حول العالم ، بما في ذلك المعارض الفردية في المتحف فن معاصرفي نيويورك (متحف الفن الحديث) عام 1975 وفي مركز بومبيدو بباريس (مركز جورج بومبيدو) عام 1977. عرض ميلتون جلاسر عدة عروض في إيطاليا. في عام 1991 ، دعته الحكومة الإيطالية إلى تنظيم معرض على شرف الذكرى الخمسمئة للفنان الإيطالي بييرو ديلا فرانشيسكا. افتتح المعرض في أريتسو وبعد عام ، وبفضل رعاية كامباري ، انتقل إلى ميلانو. في عام 1994 ، أقام جلاسر معرضًا في مسقط رأسه في كلية كوبر يونيون. في عام 1997 ، تم تقديم معرض Push Pin Studios بأثر رجعي في اليابان ، والذي تضمن العمل الشخصي لميلتون جلاسر وفنانين آخرين في الاستوديو. ومع ذلك ، تم افتتاح المعرض الاستعادي الرئيسي لعمله في فبراير 2000 في البندقية ، في مؤسسة Bevilacqua La Masa (Fondazione Bevilacqua La Masa).

عمل رسومي لميلتون جلاسر.
عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر.
عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر.
عمل رسومي لميلتون جلاسر.
عمل رسومي لميلتون جلاسر.
عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر. عمل رسومي لميلتون جلاسر.

المساهمة في الثقافة

طوال حياته المهنية ، حصل ميلتون جلاسر على العديد من الجوائز ، بما في ذلك في عام 2004 حصل على جائزة لمساهمته الكبيرة في التنمية تصميم عصريمن متحف التصميم الوطني (سميثسونيان كوبر هيويت ، متحف التصميم الوطني).

مساهمة جلاسر في تطوير التصميم الجرافيكي هائلة: بالنسبة للكثيرين ، فهو التجسيد الحي لتصميم الجرافيك الأمريكي ، وهو مثال نادر يجمع بين التفكير الفكري العميق والثراء المذهل للغة المرئية.

قواعد ميلتون جلاسر العشرة

اعمل فقط مع الأشخاص الذين تحبهم

لقد استغرق الأمر مني وقتًا طويلاً لكي أضع هذه القاعدة لنفسي. عندما بدأت ، اعتقدت العكس ، أن الاحتراف هو القدرة على العمل مع أي عميل. ولكن على مر السنين ، أصبح من الواضح أن التصميم الأكثر فائدة وجودة قد تم اختراعه لهؤلاء العملاء الذين أصبحوا أصدقائي فيما بعد. يبدو أن التعاطف في عملنا أهم بكثير من الاحتراف.

إذا كان لديك خيار ، فلا تأخذ وظيفة

ذات يوم سمعت مقابلة عبر الراديو مع المؤلف الموسيقي الرائع والفيلسوف جون كيج (جون ميلتون كيج جونيور). كان حينها يبلغ من العمر خمسة وسبعين عامًا. سأل المضيف: "كيف تستعد للشيخوخة؟" سأتذكر إلى الأبد إجابة كيج: "لدي نصيحة واحدة. لا تذهب إلى العمل أبدًا. إذا كنت تذهب إلى المكتب كل يوم من أيام حياتك ، فسيتم طردك يومًا ما من الباب وتتقاعد. وبعد ذلك بالتأكيد لن تكون مستعدًا للشيخوخة - سوف يفاجئك. انظر إليَّ. منذ أن كنت في الثانية عشرة من عمري ، أفعل نفس الشيء كل يوم: أستيقظ وأفكر في كيفية كسب رزقي. لم تتغير الحياة منذ أن أصبحت رجلاً عجوزًا ".

تجنب الأشخاص غير السارين

هذا استمرار للقاعدة الأولى. في الستينيات ، كان هناك معالج جشطالت اسمه فريتز بيرلز. واقترح أنه من جميع النواحي ، إما أن يسمم الناس حياة بعضهم البعض أو يغذيها. في هذه الحالة ، كل شيء لا يعتمد على الشخص ، ولكن على العلاقة. كما تعلم ، هناك طريقة سهلة لاختبار مدى تأثرك بالتفاعل مع شخص ما. اقضِ بعض الوقت مع هذا الشخص: تناول العشاء أو المشي أو تناول مشروبًا أو تناول مشروبًا. وانتبه إلى ما ستشعر به بعد هذا الاجتماع - ملهمًا أو متعبًا. وسيتضح كل شيء.

الخبرة ليست كافية أو لماذا عدو جيدمتميز

لقد قلت بالفعل إنني كنت مهووسًا بالاحتراف في شبابي. في الواقع ، التجربة هي قيد آخر. إذا كنت بحاجة إلى جراح ، فمن المرجح أن تذهب إلى شخص أجرى هذه العملية بالذات عدة مرات. لست بحاجة إلى رجل ينوي ابتكار طريقة جديدة لاستخدام المشرط. لا ، لا ، لا تجارب ، من فضلك ، افعل كل شيء بالطريقة التي كنت تفعلها دائمًا بالطريقة التي قمت بها من قبل. في عملنا العكس هو الصحيح: الصالح هو الذي لا يكرر بعد نفسه وبعد الآخرين. يريد المصمم الجيد استخدام المبضع بطريقة جديدة في كل مرة ، أو حتى يقرر استخدام علبة سقي الحديقة بدلاً من المبضع.

الأقل ليس دائمًا أفضل

لقد سمعنا جميعًا عبارة "الأقل هو الأكثر". هذا ليس صحيحا تماما ذات صباح جميل استيقظت وأدركت أن هذا على الأرجح محض هراء. قد يبدو هذا جيدًا ، لكن هذا التناقض في مجالنا ليس له معنى. تذكر السجاد الفارسي ، هل سيكون "الأقل" أفضل في حالتهم؟ يمكن قول الشيء نفسه عن أعمال Gaudí وأسلوب Art Nouveau وغير ذلك الكثير. لذلك ، قمت بصياغة قاعدة جديدة لنفسي: من الأفضل أن يكون هناك قدر ما تحتاجه بالضبط.

لا تثق في الأنماط

أنا متأكد من أنك رأيت جميعًا رسوم بيكاسو التوضيحية لـ Balzac's Unknown Masterpiece. صور الثور في اثني عشر نمطًا مختلفًا ، من الطريقة الطبيعية إلى التجريد في سطر واحد. في هذه الحالة ، يعتبر الأسلوب مفهومًا غير ذي صلة. من الغباء أن تمنح نفسك أسلوبًا واحدًا ، لأن لا أحد منهم يستحقك تمامًا. بالنسبة لمصممي المدارس القديمة ، كان هذا دائمًا صعبًا ، لأن الكتابة اليدوية والمفردات المرئية تم تطويرها على مر السنين. لكن الموضة الخاصة بالأنماط تتوسطها المؤشرات الاقتصادية ، أي من الناحية العملية عن طريق الرياضيات - لا يمكنك المجادلة معها. كتب ماركس عن هذا. لذلك ، يتغير النموذج الأسلوبي كل عشر سنوات ، وتبدأ الأمور في الظهور بشكل مختلف. نفس الشيء يحدث مع الخطوط والرسومات. إذا كنت تخطط للبقاء في المهنة لأكثر من عقد ، فإنني أوصي بشدة أن تكون مستعدًا لهذا التغيير.

أسلوب الحياة يغير طريقة تفكيرك

الدماغ هو العضو الأكثر حساسية في أجسامنا. إنه الأكثر عرضة للتغيير والتجديد. قبل بضع سنوات ، ظهرت قصة غريبة في الصحف حول البحث عن الملعب المطلق. كما تعلم ، فإن مثل هذه الشائعة نادرة حتى بين الموسيقيين. لا أعرف كيف ، لكن العلماء وجدوا أن الأشخاص ذوي طبقة الصوت المثالية لديهم بنية دماغية مختلفة: بعض الفصوص مشوهة بطريقة ما. هذا في حد ذاته مثير للاهتمام. لكن بعد ذلك وجدوا شيئًا أكثر إثارة للدهشة: إذا تم تعليم أطفال في الرابعة أو الخامسة من العمر العزف على الكمان ، فهناك احتمال أن يبدأ بعضهم في تغيير بنية القشرة الدماغية وتطوير نغمة مطلقة. أنا متأكد من أن الرسم يؤثر على الدماغ لا يقل عن تشغيل الموسيقى. لكن بدلاً من السمع ، نطور الانتباه. الشخص الذي يلفت الانتباه إلى ما يحدث حوله - وهذا ليس بالبساطة التي يبدو عليها.

الشك خير من اليقين

يقول الجميع أن الثقة في ما تفعله مهمة جدًا. قال مدرس اليوجا الخاص بي ذات مرة ، "إذا شعرت أنك وصلت إلى مرحلة الاستنارة ، فأنت فقط تصل إلى حدودك الخاصة." هذا صحيح ليس فقط في الممارسة الروحية ، ولكن أيضًا في العمل. بالنسبة لي ، كل المواقف الأيديولوجية المشكوك فيها ، لأن الكمال هو تطور لا نهاية له. أشعر بالتوتر عندما يؤمن شخص ما بشيء بشكل قاطع. يجب استجواب كل شيء. بالنسبة للمصممين ، تظهر هذه المشكلة حتى في مدرسة الفنون ، حيث نتعلم نظرية الطليعة وحقيقة أن الشخص يمكنه تغيير العالم. هذا صحيح إلى حد ما ، ولكن في كثير من الأحيان ، ينتهي الأمر بصعوبات في احترام الذات الإبداعي. التعاون التجاري مع شخص ما هو دائمًا حل وسط ولا يجب مقاومته أبدًا. يجب أن تسمح دائمًا باحتمال أن يكون خصمك على حق. قبل عامين ، قرأت أفضل تعريف للحب لدى إيريس مردوخ: "الحب هو الإدراك المعقد للغاية أن شخصًا آخر غيرنا حقيقي." هذا رائع ويصف تمامًا أي تعايش بين شخصين.

لا يهم

في عيد ميلادي الأخير ، تلقيت كتابًا بعنوان قواعد الشيخوخة من تأليف روجر روزنبلات. لم يعجبني العنوان ، لكن المحتوى أثار اهتمامي. تبين أن القاعدة الأولى التي اقترحها المؤلف هي الأفضل. يبدو الأمر كما يلي: "لا يهم". بغض النظر عن رأيك - اتبع هذه القاعدة وستضيف عقودًا إلى حياتك. لا يهم إذا تأخرت أو وصلت في الوقت المحدد ، أنت هنا أو هناك ، سواء لم تقل شيئًا أو قلت شيئًا ، سواء كنت ذكيًا أو غبيًا. لا يهم تسريحة شعرك أو كيف ينظر إليك أصدقاؤك. هل ستتم ترقيتك في العمل ، هل ستشتري منزلًا جديدًا ، ستحصل عليه جائزة نوبل- كل هذا غير مهم. هذه حكمة!

قول الحقيقة

يبدو لي أحيانًا أن التصميم ليس كذلك افضل مكانللبحث عن الحقيقة. بالطبع ، هناك أخلاقيات معينة في مجتمعنا يبدو أنها مكتوبة في مكان ما. لكن لا توجد كلمة واحدة عن علاقة المصمم بالمجتمع. يقولون أنه في الاتحاد السوفياتي تحت حكم ستالين ، كان كل ما تم بيعه بعلامة "لحم العجل" عبارة عن دجاج في الواقع. منذ ذلك الحين ، تعذبني السؤال ، فماذا تم بيعه تحت ستار دجاجة؟ لا تقل مسؤولية المصممين عن الجزارين ، لذلك يجب أن يكونوا حذرين بشأن ما يبيعونه للناس تحت ستار لحم العجل. الأطباء يقسمون: "لا ضرر ولا ضرار". أعتقد أن المصممين يجب أن يقسموا أيضًا: "قل الحقيقة".